Demasiado real: películas y documentales sobre el 11 Sept
El hecho –total y absolutamente– real fue demasiado para Hollywood. La industria recibió el impacto del mismo modo que el resto de la sociedad y de la clase política norteamericana: la boca abierta, el silencio.
No hay explicaciones rotundas para los zombis. No hay verdaderos decálogos. No hay manuales de uso. Los zombis son. Las conjeturas siempre anidan en el lugar más cómodo: apenas teorías carentes de peso.
El zombi surge como propulsado por fuerzas misteriosas y cuando lo hace es para que la sangre irrumpa en escena. Un día están y al siguiente quién sabe. Virus, experimentos tecnológicos fugados de los laboratorios, todo es factible. Los zombis exponen un argumento irrebatible y despiadado: aun muertos se alimentarán de los vivos.
2. El zombi que no cojea corre
Se los ha visto arrastrar las piernas con la determinación de quien ha pagado por su destino. Las piernas o lo que aún quede indemne de sus extremidades.
Con el ánimo intacto, con la frente en alto (si es que alguien no les voló la cabeza de un disparo), los zombis avanzan hacia el cuerpo del ciudadano común, usted señor, usted señora.
El sonido de los pies confrontando el asfalto de la calle: ése es el sonido más zombi de todos los sonidos.
Por supuesto, con el paso de los años y las remakes de las remakes surgieron excepciones a la regla. En algunas películas contemporáneas los zombis aprendieron a correr. Histérica, desesperadamente. Correr con las bocas abiertas y los ojos desorbitados. El propósito es el mismo: almorzar lo que quede de humanidad. Pero las causas por lo general son otras: un virus letal, dinámico y furibundo que los empuja al infinito. Los verás correr, y mucho, en "28 días después".
Acaba de comenzar el Primer Festival Nacional de Cine y Video “Río Negro Proyecta”.
Jóvenes. Chicos. Almas nuevas que ven en el cine y el video una forma bien contemporánea de expresión. Rastas. Vestidos extraños. Pantalones robados al abuelo. Aritos. Tatuajes. Gente cool.
Ese era mayoritariamente el público que sentadito esperaba su porción de cine el día de la apertura.
Hubo discursos, decretos, extensas cartas de agradecimiento. Las formalidades de siempre.
También dijo lo suyo el subsecretario de cultura de la provincia Armando Gentili quien ya sueña con nuevas ediciones en otras ciudades de la provincia.
Tal vez sea una ocasión para recordar otros festivales que con amor y dedicación se han hecho en esta provincia, en esta región y, por caso, en esta misma ciudad. ¿Alguien recuerda el festival de cine independiente del cual participó una camada de jóvenes directores que pocos años más tarde harían historia en el país y el exterior? Bueno. A eso me refiero. Sucedió en la Ciudad de las Artes. En las intalaciones del IUPA.
El acto siguió con la proyección de un corto publicitario que al menos en teoría sintetiza el espíritu del festival y su entorno. Con bastante desparpajo se combinaron allí: ballenas (¿de Puerto Madryn, Chubut?), manzanas y ¿uvas? (acaso por las bogedas locales aunque uvas me suena a Mendoza) con imágenes del cine nacional. Pudo haber sido mejor.
Al final, se proyectó un sobresaliente corto, “El trabajo”, del director barilochense. Se trata de un filme fuerte, diría impactante que dejó a los espectadores con una extraña sensación en el cuerpo.
Insisto con estos doblajes al español: por lisérgicos, ridículos y extraños.
La escena es esta: una cámara, seducida y empujada por un incontenible deseo, avanza hacia el rostro y sobretodo hacia la mirada tramposa y divina de un joven John Wayne. El es Ringo, un hombre condenado a hacer justicia por su propia mano.
De este modo tan estupendo se inaugura en “La dilligencia” no sólo el western moderno tal y como lo terminamos conociendo sino también la era de las estrellas pop. Ringo-Wayne sería el primero de una extensa lista de figuras que atravesarían la historia de Hollywood y que por estos días tiene a gente como Johnny “Sparrow” Deep y Brad “Sr. Smith” Pitt como sus mayores representantes.
Corría el año 1939 y el western que ya tenía sus años de recorrido no pasaba por su mejor momento. El interés popular por las historias de vaqueros y disparos había decaído trasladándose a los culebrones románticos y a los policiales de corte mafioso.
En este marco John Ford estrenó uno de los mejores western de todos los tiempos: “La diligencia”. Para los fanáticos del rubro el filme forma una triada perfecta junto a “Fuerte Apache” (también de Ford) y “Río Bravo”. Pero hay quien agregaría a esta lista a “Veracruz” y “Los imperdonables”, el llamado anti-western de Clint Eastwood.
“La diligencia” contiene todos los elementos que exige el género pero en muchos sentidos es una obra inaugural. Allí están, sí, el chico bueno y los chicos malos, la diligencia atravesando una zona peligrosa, los apaches y una persecursión espectacular a través del desierto, el amor, por supuesto, la música ambiental (un compilado de canciones tradicionales americanas) y el duelo final. Es decir, el círculo del western respetado a rajatabla.
Sin embargo, la mirada de Ford vino a revitalizar la forma y el ritmo en que se presentaba una temática ya establecida. La cámara que se deja hipnotizar por la presencia de John Wayne, los parajes fascinantes del Oeste americano tomados en su imponente amplitud, el cambio de ritmo permanente a lo largo del filme que mantiene al espectador agarrado a su butaca, los diálogos cómicos que distienden situaciones complejas, los personajes de los más variados -elegantes apostadores, asesinos, doctores borrachos, prostitutas redimidas, vendedores de whisky, galanes, damas y militares siempre a la carrera- poblando el vacío existencial y geográfico -el Monument Valley- con una multitud de máscaras. Con todos estos elementos, Ford puso sobre la mesa reglas nuevas para un juego viejo.
La película de Ford tuvo varias nominaciones al Oscar pero fue Thomas Mitchell quien hace de un doctor borrachín y filósofo quien se llevó el premio al Mejor Actor de Reparto. El filme además obtuvo otro premio Oscar por su banda de sonido.
John Wayne -el que en uno de los diálogos hasta se atreve al castellano: “¿dónde está la cocina?”-, sin trofeo esta vez, apenas si conservaría la gloria del género para sí mismo por siempre jamás.
Este domingo saldrán en Cultura y espectáculo de "Río Negro" un artículo dedicado al famoso detective y su regreso a la pantalla grande. Aquí un adelanto.
Hace ya largo tiempo que Sherlock Holmes esperaba por un cuerpo que lo representara en Hollywood. Basil Rathbone lo había hecho bien pero la figura del famoso detective estaba muy lejos de cerrar con él su ciclo cinematográfico. Buenas noticias, una vez más el hombre de mente afilada, vive entre nosotros.
Lo curioso de este nuevo ciclo es que por primera veremos en pantalla un Sherlock Holmes que, al menos en el aspecto físico, no sigue los lineamientos del original establecidos por su creador Arthur Conan Doyle. El director Guy Ritchie tomó la osada decisión: contratar a uno de los mejores actores del momento, Robert Downey Jr., para encarnar al supuestamente alto y delgado investigador. Los adelantos del filme le dan la razón. Downey Jr. es uno de los pocos artistas capaces de otorgarle flamantes y divertidas particularidades al personaje.
Robert Downey Jr. entre escena y escena.
Recordemos brevemente como describría el Dr. Watson a su inseparable compañero de aventuras: “Su estatura sobrepasaba los seis pies, y era tan extraordinariamente enjuto, que producía la impresión de ser aún más alto. Tenía la mirada aguda y penetrante, [...] y su nariz, fina y aguileña, daba al conjunto de sus facciones un aire de viveza y de resolución.”. No, definitivamente el camaleonico Downey Jr. no se parece en nada.
Sin embargo, la creación del actor que una vez interpretó a Charles Chaplin se evidencia perfecta. Una de las propiedades el actor rescata del Holmes literario, y que se había perdido en anteriores proyectos donde se lo caracterizaba sobretodo como un hombre caballeroso aunque solemne, es su extraño humor asociado a una soberbia intelectual que raya en la desvergüenza. A esto, Downey Jr. le suma una estupenda forma física (recordemos que el Holmes original es un experto luchador) y un delicioso estilo fashion inglés al vestir.
Guy Ritchie ha explicado que al menos por esta vez, el público no verá un “típico filme de Guy Ritchie sino algo distinto. Otra cosa”. Ritchie debió superar el desafío de adaptar a la pantalla grande un clásico de la literatura policial que posee su propio ritmo narrativo. Fue capaz de establecer un tiempo cinematográfico que se correspondiera con el época que transcurrimos. Después de todo el que fuera marido de Madonna se ha vuelto célebre por sus innovaciones tanto estéticas como descriptivas en el cine de acción, con filmes como “Snatch. Cerdos y diamantes” y “Revolver”.
En más de un aspecto el Sherlock de Ritchie y Downey Jr. no le rinde tributo al viejo y brillante sabueso inglés. Pero, qué importa, el resultado ha sido igualmente un homenaje contemporáneo.
Hace unas semanas atrás, en algunso los blogs especializados comenzó a crecer el rumor de que el nuevo Holmes tiene un aire definitivamente gay o, dicho de otro modo, sus talentos lo hacen un tanto “homoerótico”. El rumor no es totalmente infundado. Downey Jr. (quien bromeó bastante con la idea asegurando que su Holmes y Watson pasaban bastante tiempo en la cama), entre otras acciones viriles, mantiene un sangrienta pelea en un típico ring de la época que lo muestra con el torso desnudo y trabajado cual boxeador profesional. Hay que hacer notar que el actor ya venía exhibiendo sus abdominales desde su participación en “Iron Man”. Siempre que hubo parejas en el cine, el cómic o en la literatura, llovieron las sospechas de homosexualidad. Ya lo había dicho George Clooney: Batman es gay. Ahora es el turno de Holmes y Watson.
Roger Johnson, director del “Sherlock Holmes Journal”, observó que en la versión de Conan Doyle: "Watson es una especie de “dama-hombre”, pero a la vez un marido fiel. Holmes, por su parte, es esencialmente asexual, sin ningún interés erótico en las mujeres o hombres".
Más allá de estas lecturas, el elenco de Sherlock Holmes resulta prometedor: Jude Law como el incondicional asociado del detective, Dr. Watson. Rachel McAdams, protagoniza el papel de Irene Adler, una seductora mujer que mantiene una muy disputada relación con Holmes. Kelly Reilly interpreta a la novia de Watson, Mary; y Mark Strong es Blackwood, un siniestro adversario capaz de urdir un plan para destruir Inglaterra.
El contrapunto entre Holmes y Watson es el pilar del filme. En una de las escenas se le escucha preguntar a Watson: “¿es que usted no tiene ningún escrúpulo”, a lo que Holmes responde con un simple y frío “no”. En otra, Watson interrumpe unas sentidas disculpas de Holmes con un puñetado, y en otra se le escucha al Dr. reclamarle a su amigo por su desorden, su infinita soberbia y su conducta reprochable. Luego ambos pasan por situaciones altamente peligrosas donde se puede disfrutar parte de lo que mejor saber hacer Guy Ritchie: Holmes lanzándose desde un edificio victoriano al río, Holmes y Watson escapando de una explosión, disparando a dúo contra sus enemigos, a las piñas defendiéndose como expertos contendientes. Y, gran final, Holmes desnudo, esposado a la cama y apenas cubierto por un almohadón que la dama de la limpieza se niega a quitar.
Este Sherlock Holmes, en versión siglo XXI, llega cargado con un contenido erótico un poco más alto (ahí lo tienen a Dowley Jr. en plena forma para corroborarlo), mucha acción (Guy recupera las habilidades físicas del personaje y se lo puede ver boxeando a mano limpia tanto como batiéndose con bastones o a los martillazos contra un verdadero gigante) y un repertorio de gestos seductores por parte de dos estrellas del firmamento del cine actual.
