Por Stefanie Schütte desde BERLIN


El modisto alemán Wolfgang Joop, fundador de la marca internacional JOOP!, ha escrito un libro, trabajado como cocinero y actor y ahora sorprende con una exposición en la que muestra su faceta como artista. En entrevista con dpa reflexiona sobre la evolución de la moda, el arte y "la miseria de los ricos".
La Kunsthalle de Rostock, en el norte de Alemania, abrirá desde el sábado y hasta el 28 de junio "Eternal Love", una exposición que muestra las pinturas, los dibujos, esculturas e instalaciones del polifacético creador, que estudió psicología del márketing y arte.

- Joop, ¿cómo van sus negocios?
- Con la marca "Wunderkind" tenemos mucho que hacer. De hecho, somos una de las únicas empresas que dan muestras de supervivencia. La industria se está desmoronando por todos lados pero nosotros, gracias a Dios, somos un grupo líder en el sector. Tenemos los libros de encargos para el próximo invierno llenos, pero hoy en día es necesario poder prefinanciar cada éxito a largo plazo. Los denominados inversores están arruinados. Sólo se puede observar miseria, la de la gente rica. De verdad, es una auténtica miseria.

- ¿Qué nos espera en la exposición "Eternal Love" de Rostock?
-"No es una muestra biográfica. Es más una instántanea de la creación de Wolfgang Joop. Es un cruce entre la historia de la moda y las artes plásticas. Desarrollé esa idea a raíz del éxito de la colección de verano 2008. Estudié arte, he hecho moda y ahora vuelvo, no lo niego, al arte.

- ¿Dónde está la frontera entre arte y moda?
- "Desde Damien Hirst y Andy Warhol esa frontera es difusa. Lo que hoy se ve en las pasarelas de vanguardia es pura instalación y ya no vestuario.

- ¿Y cómo acepta eso la cliente? ¿quieren las mujeres andar por la calle como si fueran una obra de arte?
-"No, claro que no. A mí me parece patético. Lo que muestran en las pasarelas esos jóvenes diseñadores vanguardistas son instalaciones, en mi opinión. No se me ocurre otra palabra para describirlo. No se interesan por la vida diaria de las mujeres. Yo siempre fui un diseñador de moda interesado en esa rutina femenina. No soy un disañador de grandes actuaciones. Me ocupo más bien de lo que una vez fue el lujo. El lujo era patrimonio de una determinada clase, que no lo exhibía, que lo heredaba. Se llevaba el bolso que había sido de la madre o de la abuela. Lo malo de hoy es que incluso los artículos de lujo se han convertido en algo de usar y tirar. Ya se empieza a hablar incluso del "McLuxury". Se encuentran productos idénticos en todo el mundo. Yo siempre he intentado crear prendas únicas, eso es lo que me ocupa, pero no he intentado hacer de la mujer una obra de arte. La mujer, incluso sin ropa, es ya una obra de arte.

De la agencia DPA

Por ISAAC GARRIDO, desde MEXICO


Su lente captó a los iconos de la cultura pop a lo largo de una década, convirtiéndolo en uno de los más reconocidos de los últimos años.
Pero el fotógrafo estadounidense David LaChapelle dice haber perdido el amor por la cultura de las celebridades y el consumismo, y ante el temor de perder su autenticidad ha decidido volver a su raíces.
"Creo que he dicho todo lo que tenía que decir en el mundo de las celebridades'', dijo LaChapelle la noche del martes en una entrevista en la Ciudad de México, donde se encontraba para presentar su exposición "Delirios de razón/Delirium of Reason'', a exhibirse del 4 de febrero al 14 de junio en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, en el centro de la capital. "Documenté a la mayoría de la gente que hizo la cultura pop por una década entera y también he trabajado con gente marginada'', expresó el artista.
"Estoy más interesado en la forma humana y en pensar mis ideas de manera más amplia''.
Originario de Connecticut, LaChapelle ha desarrollado un estilo irreverente inundado de color, que raya entre el pop art y el surrealismo y con el que llegó a envolver a celebridades como Madonna, Elizabeth Taylor, Gael García Bernal, Britney Spears y Cameron Díaz, entre otros.





Aunque para el aclamado maestro de la lente dar por concluida su faceta de fotógrafo de famosos no se debe a un aburrimiento, reconoció que siempre es un reto trabajar con las celebridades, pues "tienen sus propias necesidades''. "Trataba de hacer lo mejor para contar mi historia y decir lo que quería, pero al mismo tiempo estaba al servicio de sus necesidades'', explicó el creativo de 39 años, quien dijo disfrutar más las tareas que él mismo se asigna.
"(Trabajar con celebridades) a veces era conflictivo y por eso ahora la libertad de crear obras que vienen puramente de mi cabeza es un gran reto y una gran libertad a la vez'', dijo el artista, quien últimamente ha estado trabajado en murales.


El llamado Fellini de la fotografía dijo sentirse liberado, pues "me emancipé de lo que llegó a ser algo a lo que le perdí el amor''. "Ahora estoy enamorándome de la fotografía en su forma de exhibición'', añadió uno de los responsables de lanzar a la fama a Paris Hilton al realizar una sesión fotográfica para la revista Vanity Fair en una época en que la heredera era aún desconocida.
"Llegué a un punto en el que había terminado, sólo tenía que alejarme'', expresó.
"Estaba en lo más alto del mundo de la fotografía y haciendo un video para Madonna cuando dejé el escenario y renuncié ... porque no sentía que estaba siendo auténtico''.
El también director de videos musicales, quien comenzó trabajando para la revista Interview, fundada por Andy Warhol, recordó que fue el padre del pop art quien le dijo: "Haz que todos se vean hermosos''. Y precisamente es la belleza donde LaChapelle ha encontrado la mejor forma de comunicarse.


"Creo que la belleza es el medio de comunicación más grande, porque (con ella) puedes tener algo de atención y si eres un artista y haces cosas feas, la gente mirará también''. Retomar sus inicios, en los que exhibía en galerías y museos, es para él ``una nueva forma de renacer''.
"Me siento enamorado de mi trabajo nuevamente, de mi fotografía. Tengo todas las técnicas y los años de entrenamiento para ser capaz de comunicar lo que quiero decir'', afirmó LaChapelle, indicando que el día que se retire le gustaría ser granjero. Antes de moverse a una nueva etapa, reconoció lo que considera su mayor aportación: "Hacer arte que no sea sólo para intelectuales o un grupo de elite. Creo que el pop art por naturaleza es para la gente''.


MAS INFO en www.davidlachapelle.com

Por Barbara Munker , desde San Francisco (Estados Unidos)


Después de diez años de planificación y dos de construcción, el arquitecto estrella estadounidense Daniel Libeskind terminó el Museo Judío Contemporáneo de San Francisco, que se inaugura este domingo.
La obra fue su primer encargo de este tipo en Estados Unidos. En Europa, donde en opinión de Libeskind "el espíritu judío forma parte de un mundo oscuro", el arquitecto ya es conocido por la edificación de los museos judíos de Berlín y Copenhague.
El de San Francisco es para él un punto de encuentro cultural "con un mensaje positivo" con el que todos pueden contactar, "ya sea un turista alemán, un visitante del centro-oeste de Estados Unidos o del Lejano Oriente".
Se trata de una construcción de dos pisos con formas geométricas que terminan en abruptas puntas y cubierta por paneles de cristal azul oscuro.
-Después del Museo Judío de Berlin ha construido uno en San Francisco. ¿Se diferencian mucho los proyectos?
-La diferencia es enorme. Éste de aquí es un proyecto sin viejas sombras. Cuando se trabaja en Berlín, no se puede huir de la responsabilidad de recordar el pasado. Se piensa automáticamente en el asesinato de judíos y el vacío que eso supuso en la vida. Siempre intenté crear esperanza en Berlín y crear algo positivo, pero en San Francisco es mucho más fácil. Aquí no se trata del Holocausto, sino de la apertura y de muchas posibilidades para los judíos y otras personas. Es un sentimiento distinto, una alegría, otra luz.

-¿En el Museo Judío Contemporáneo no hay ninguna exposición permanente de la historia judía? ¿Se trata de una nueva forma de concebir el museo?
-Veo el museo más como un punto de encuentro social. Habrá trabajo de formación, actividades con los niños y familias, fiestas, bodas, exposiciones cambiantes. No conozco otro museo judío contemporáneo, éste creo que es el primero del mundo que no trata el judaísmo desde un punto de vista tradicional. Es un lugar extraordinario en el que la gente se puede encontrar e intercambiar ideas. Celebro con más entusiasmo a las personas que a los objetos.

-El museo está rodeado de edificios, oficinas y tiendas, pero también otras instituciones culturales. ¿Cómo trabajó con este espacio?
-Al principio encontré el espacio muy limitante. Se trataba de un viejo edificio que está entre una iglesia y un hotel. Uno se sentía atrapado, pero después lo vi como un principio interesante de una idea judía. ¿Cómo se le da a una cosa una identidad cuando el marco ya está establecido? ¿Cómo se encuentra allí una idea?

Por Adrián Mouján, de Telam


"Arrogante Rock. Conversaciones con Babasónicos" es un libro escrito por el periodista Roque Casciero, que cuenta la intimidad del grupo, desde la infancia de cada uno de sus integrantes hasta la enfermedad que provocó la muerte del bajista Gabo Manelli.
Casciero reproduce una charla de más de cuatro horas con el bajista, en la que Gabo relata todo en torno a su enfermedad, el linfoma de Hodgkin, que le provocó la muerte apenas un mes después de publicarse en diciembre una primera tirada del libro muy pequeña.
Ahora acaba de salir la segunda edición coincidiendo con la aparición del disco "Mucho".
También, los lectores podrán conocer los motivos de la partida de DJ Peggyn, de qué manera se armó cada disco, y ofrece un largo capítulo con Adrián Dárgelos dedicado a la cultura rock.  En su charla con Télam, Casciero, periodista de Página/12 que también escribió en Rolling Stone, La Maga y Playboy México, reconoció el desafío que implica escribir sobre una banda tan importante para el rock argentino.
"Babasónicos es una banda arrogante y a mí me parece bien, porque el rocker debe ser arrogante, pero además sin esa actitud, el mercado se los hubiera fagocitado", dijo Casciero.
-¿Cómo llegaste a Babasónicos?
-Me llamó el manager de la banda, Eduardo Rocca, porque la colección funciona de manera oficial aunque no es una biografía oficial. La banda decide quien será el periodista que quieren para hacerles una larga entrevista. Ese es el formato del libro con preguntas y respuestas.
-¿Costó hacer hablar a una banda que es muy reservada?
- Se trata de una banda que siempre sostuvo esa idea del misterio y de que la gente no debía saber nada de ellos, de hecho en su último disco cantan "no quiero que me conozcan, prefiero que inventen".
Tuvimos momentos en que hubo debates en torno a lo que habían dicho y quedó testimoniado, es más estoy seguro que la banda hubiera querido hablar menos de temas como la salida de Peggyn o la enfermedad de Gabo.
Para mí esos temas eran innegociables, eran importantes y tenían que estar pero debo reconocer que los miembros del grupo estaban muy dispuestos a hablar de cosas que nunca habían hablado. En ese aspecto mi laburo fue más fácil, no tuve que sacarles las cosas con tirabuzón.
-¿Cómo reaccionaron ante el libro?
 - Cuando estuvo listo, se los mandé, lo leyeron y nos reunimos todos para charlar. Un miembro de la banda se enojó y dijo que el libro no debía salir, mientras que otro decidió dárselo a sus padres con el capítulo de su infancia arrancado con el argumento de que le habían dado el libro fallado.
-¿Cómo trabajaste el capítulo de la enfermedad de Gabo?  -Yo no sabía que tenía Gabo, sólo sabía que estaba enfermo y les dije que había que hablar de eso. Lo más importante era que él  hablara y que los otros dijeran cómo era estar sin Gabo.
La entrevista fue en su casa y duró 4 horas, pero en ningún momento mencionó el nombre de la enfermedad. Y cuando desgrabé la nota, me dije "tengo que ponerle el nombre", pero al final me pareció que no tenía sentido.
Ahora que él falleció puede ser, pero al momento de escribirlo, no.
Gabo me dijo 'mejor no lo pongas, así cuando los periodistas me pregunten les digo: 'no me hagas acordar del peor momento de mi vida'. El tenía todo un plan para cuando estuviera recuperado, y esa frase habla de su humor. Al mes se murió y el dolor fue muy grande. 
-¿Es contradictorio con el rol del periodista llevarse bien con los protagonistas, en este caso los rockeros? 
-Sí, es difícil. Nosotros estamos hablando de algo que nos gusta y la mayoría sentimos una identificación ideológica con el rock.  A la mayoría de los que escribimos sobre rock, el rock nos cambió la vida y pensamos: 'también se la puede cambiar a otro'.
La sociedad occidental no es la misma desde la irrupción de los Beatles.  No sé si los colegas de política o economía trabajan de esa manera porque el rock modifica desde un lado más sutil, en cambio el político, al menos en las reglas, está obligado a generar el bienestar común. 
-Pero los rockeros son más intolerantes a las críticas que los políticos, por ejemplo. 
-Puede ser, no todos son susceptibles a las críticas, lo que pasa es que el artista trabaja con su obra, forma parte de su ser, y los actos de los políticos se suponen que están encaminados a lograr el bien común, por eso si criticás a un político no tiene mucho derecho a enojarse.
En cambio, si a un músico le decís que su disco es una porquería lo va a tomar de una manera personal, lo cual me parece bien, pero también me parece bien que tengamos la libertad para decirle 'tu disco es una porquería'. Las dos cosas son buenas y positivas.

S DE SUS FOTOGRAFIAS

Por Mercedes Ezquiaga


Una muestra antológica de la obra de la célebre fotógrafa Sara Facio, que recorre a través de 179 imágenes sus series más importantes, entre ellas, los retratos de escritores como Borges, Cortázar o Neruda, abrirá sus puertas al público mañana en Imago Espacio de Arte.
"Al ver las fotos te das cuenta de que son muchos años, casi 50 de fotógrafa. Yo lo siento como un friso de mi vida, como un resumen en imágenes de todo lo que viví, desde que empecé a trabajar a los 27 años, con una Rolleiflex", recuerda Facio .
Nacida en Buenos Aires en 1932, Facio comenzó su carrera como asistente de Annemarie Heinrich, fundó la editorial La Azotea y promovió la apertura de la innovadora Fotogalería del Teatro San Martín, pero es muy reconocida por la foto que tomó de un joven Cortázar mirando a cámara con un cigarrillo en los labios.
"Antológica" es el título de la muestra que reúne imágenes que van de 1960 a 2005 y donde destacan las emblemáticas "Buenos Aires Buenos Aires" o los "Retratos de escritores de América latina", que agrupa, además de la mencionada de Cortázar, a Alejandra Pizarnik, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y otros.
La extensa muestra que ocupa el primer piso del espacio está estructurada en torno a las series como "Los primeros premios" de los años 60, los grandes reportajes con "Pablo Neruda e Isla Negra", o la serie de fotos "Actos de fe en Guatemala", "que integró un libro a color que es un bestseller en Guatemala pero que aquí no se conoció nunca", cuenta la fotógrafa.
El público podrá ver por primera vez en exposición una serie de imágenes tituladas "Funerales del presidente Perón",-"muy dramáticas", señaló Facio-, además de otras que van del 70 al 74 desde que Perón volvió del exilio, la masacre de Ezeiza y finalmente su muerte.
Una de las series más impactantes, titulada "Humanario", corresponde a un libro con textos de Cortázar -que está agotado hace años- y que surgió de un trabajo realizado con enfermos mentales en los años 70, junto a su socia de entonces Alicia D'Amico, a pedido de la Secretaría de Salud Mental.
"No pidieron fotos para demostrar el estado de abandono en que estaban los edificios y los enfermos, y así pedir mayor presupuesto a la Nación, pero sin ser truculento ni amarillista, sino con un sentido humanista, y por suerte consiguieron más plata para ayudarlos", recuerda Facio.
La serie "De Brujos y Hechiceras" incluye retratos de Astor Piazzolla, Roberto Goyeneche, Susana Rinaldi, Juan Manuel Fangio, Rómulo Macció, René Favaloro, Quino y se llama de ese modo -relata Facio- "en referencia a las personas sobresalientes en su materia, inteligentes, las personas notables de su tribu", resume.
Actual curadora del área de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, Facio asegura que prefiere exhibir sus fotos en el tamaño tradicional, de 30x40 o 50x60, y que no hay fotos que le gusten más que otras.
"Es como diría una madre: no quiero más a un hijo que al otro; los quiero a todos por igual -explica-, porque son momentos muy diferentes y en cada uno trabajo con mucho entusiasmo y trato de hacer lo mejor posible, con mucho amor y energía", confiesa.
Para la serie "Bestiario" (imágenes intervenidas por la artista Nushi Muntaabski), la fotógrafa cuenta: "Estaba paseando por las calles de Nueva York y para donde miraba veía animales, en la vidrieras, en los carteles, en las propagandas, leopardos, gallinitas... así que empecé a tomar fotos porque me divertía".
A lo largo de su carrera, la fotógrafa recibió numerosos premios, expuso en el país y en el extranjero y sus fotografías integran colecciones públicas y privadas de países como Argentina, de América latina, Estados Unidos, Francia, Inglatera, Italia y Japón.
La propia Facio dispuso el montaje de la exposición, junto con un equipo del espacio Imago comandada por la reconocida curadora María Teresa Constantín, para la muestra itinerante que luego será exhibida en numerosas ciudades del interior del país, como Mendoza, Posadas, Junín, La Plata, Mar del Plata, Neuquén, Pergamino y otras.
"Sara Facio. Antológica. 1960-2005" se podrá visitar hasta el 29 de marzo, de lunes a sábados de 12 a 20 en Imago (el espacio de arte de la Fundación Osde) ubicado en Suipacha 658, en Capital Federal, con entrada libre y gratuita.