Fotos: agencia AP

Por ANDREA RODRIGUEZ, desde LA HABANA

Texto y fotos de agencia AP


Traspasar la puerta de la Fototeca de Cuba significa desde la semana pasada una sorpresa para locales y visitantes: imágenes inéditas del legendario Alberto Korda, conocido por sus instantáneas del Che Guevara, ahora muestran otras variadas facetas del artista.
"Esta exposición es el resultado de un libro recientemente editado, una investigación lo más profunda posible sobre la obra de Alberto Korda", dijo a la AP la curadora de la muestra, Cristina Vives.
La crítica hizo referencia a "Conocido. Desconocido", publicado por La Fábrica Editorial en Madrid y que consta de unas 400 páginas y otras tantas de fotografías del extinto cubano (1928-2001). Según Vives, a lo largo de su productiva carrera fotográfica Korda mostró una "muy limitada" porción de sus tomas.
"Casi el 80% del libro o más es de (imágenes) inéditas. Eso nos hizo pensar que teníamos que montar una exposición y eso es lo que está aquí", agregó la curadora al tiempo que lo más selecto de la intelectualidad cubana se daba cita para ver la muestra inaugurada la noche del 4 de septiembre y abierta al público por un mes.





Distribuidas entre las varias salas de la Fototeca hay 159 fotos en plata y gelatina, acompañadas de unas 20 gigantografías o paneles con imágenes tomadas al propio Korda por amigos y colegas y donde aparece invariablemente con una cámara en la mano.
El criterio de Vives es radical: en esta exposición se adivina un Korda ``igualmente talentoso'' pero ``se demuestra que ese talento no era limitado'', comentó.
Unas botas que se adivinan son las de Fidel Castro, o el líder durmiendo; composiciones con sombreros y hasta algo de submarinismo, que Korda practicó desde los años 70, conforman la selección realizada por Vives. P
ero sobre todo, mujeres: rostros de féminas sonrientes, serias, pícaras, vestidas de milicianas o de calle, que fascinaban al fotógrafo.
Algunas de estas imágenes son incluso de la década de 1950 y pertenecen a la etapa publicitaria de Korda, cuyo verdadero nombre era Alberto Díaz, y era entonces un productor de imágenes para carteles o anuncios.





``Hay imágenes desde más o menos 1954 y hasta 1975'', confirmó a la AP Diana Díaz, hija del fotógrafo, quien maneja buena parte del acervo que perteneció a su padre.
Díaz se mostró particularmente emocionada con esta muestra en el país en el cual Korda nació y vivió toda su vida y en el que con su obra contribuyó a fijar mediante el lente una buena parte de su historia, sobre todo en la llamada fotografía épica de la revolución.
El artista murió durante una visita a París a los 72 años.
``Trabajamos los archivos propios de mi padre, de algunos amigos y periódicos. También contamos con el apoyo de la Oficina de Asuntos Históricos del Consejo de Estado'' pues parte de los negativos conforman importantes testimonios oficiales en la isla, declaró la mujer.
``El significa mucho para mí... hacer lo que pueda por su obra y mostrarla en toda su dimensión es fundamental. Korda no sólo fue el fotógrafo del Che'', concluyó.

La obra de artistas contemporáneos consagrados y emergentes, desde lo más clásico del arte contemporáneo hasta lo más moderno y de vanguardia, se conjuga para convivir en armonía a lo largo de seis días en la gran feria de las galerías Expotrastiendas, que abrirá sus puertas al público mañana en el Centro de Exposiciones en Capital Federal.
Según la agencia Telam, a lo largo de unos diez mil metros cuadrados de extensión de este privilegiado espacio se desplegarán los stands de unos 150 expositores y se verán obras de más de 500 artistas.
"La feria es un punto de encuentro y acá convivimos todo: artistas, galeristas, dealers, coleccionistas, periodistas especializados, teóricos de arte, directores de museo, pero también es una fiesta familiar, porque se puede venir a pasear en familia", dice a Télam la directora de Expotrastiendas, Pelusa Borthwick.


Como toda feria, lo ideal es ir con tiempo para recorrer, descansar y detenerse en los cientos de detalles que salen a la vista a cada paso: desde los Eugenio Daneri de la galería Arcimboldo, la quietud de las pinturas de Jorge Duarte o la estética pop de la serie "Divos y Divas", con collages de Susana Giménez, Natalia Oreiro o Alberto Olmedo.
Los precios son de lo más variados: "Hay obras desde 500 pesos hasta los 200 mil dólares", confirma la directora de la feria, quien no se privó de elogiar la muestra institucional en homenaje a los años 30, con piezas de Antonio Berni, Lino Spilimbergo, Juan Batlle Planas, Raquel Forner, Horacio Coppola y otros.
Se trata de una exposición integrada por obras del Museo Sívori, del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y de coleccionistas privados, presentada por la Asociación Argentina de Galerías de Arte (AAGA) y curada por Diana Wechsler.



A lo largo de la feria conviven todos los soportes, pintura, dibujos, esculturas y fotografías y se pueden ver también trabajos hechos con neón, la sutileza de las obras del chaqueño Milo Lockett, los grabados que exhibe el Centro Cultural Rojas o las esculturas de vidrio de la galería Adriana Indik.
La galería de Solange Guez, que cada año prepara un stand temático, hace honor esta vez a los juegos de chicos y en este marco lúdico, titulado "Juguemos en el bosque", llaman la atención las piezas de botellas de plástico reciclado de Edgardo Giménez -como una tortuga de dos metros de largo- o la versión voluptuosa de personajes de Disney como la Sirenita o Blancanieves.
Allí mismo se pueden ver las Barbies posmodernas del joven artista Hernán Cagliano, como "Barbie Emo" vestida de negro y con un flequillo largo, "Barbie piquetera", con un palo en la mano y una remera del plan Trabajar, o la Barbie travesti, con un cigarrillo entre los labios, sólo algunos de los inquietantes modelos.
"Esta es una perla de la feria -asegura la directora, frente a una serie de fotografías-. Un tiempo antes de suicidarse Greco estaba en España haciendo su arte público y una fotógrafa local hizo esta serie de fotos que tienen 40 años y de la que sólo se hicieron cinco juegos. Este es el último que queda".


Entre las novedades se destaca el flamante espacio de Arte Electrónico Contemporáneo, dedicado a las nuevas tecnologías y curado por Rodrigo Alonso, cuya primera edición estará destinada a un proyecto que propone la conexión de cuatro ciudades (Madrid, Milán, Montevideo y Buenos Aires).
"Es una disciplina que se ganó espacio en el mundo del arte y se lo ganó dentro de la feria también", señaló Borthwick.
Además, se realiza la cuarta edición del Premio Fotografía Expotrastiendas, con una gran convocatoria bajo el lema "¿Cuál realidad?" y se vuelven a presentar los espacios de artistas emergentes "Entropía", a cargo de Alejandro Montes de Oca, con el objetivo de promover los colectivos de artistas jóvenes.  Se realizará un ciclo de performances con invitados internacionales, entre quienes se destaca el performer catalán Carlos Tejo, además habrá un Espacio de video y una charla a cargo de la crítica de arte argentino-mexicana Raquel Tibol.
La octava edición de Expotrastiendas, que el año pasado recibió la visita de más de 70 mil personas, abrirá sus puertas desde mañana y hasta el jueves de 14 a 22 en el Centro Municipal de Exposiciones, Figueroa Alcorta y Pueyrredón. (Télam)

Videos, pinturas, dibujos, instalaciones y murales, que dan lugar a la reflexión sobre las cualidades y problemáticas de las ciudades del siglo XXI, conforman la muestra "Urbanidades" que, curada por el francés Philippe Cyroulnik con la asistencia de Guadalupe Chirotarrab, se exhibirá al público en el Centro Cultural Borges, en Capital Federal.
La muestra, que abre sus puertas al público mañana, reúne en las salas 21 y 22 del Borges la obra de once artistas contemporáneos locales y franceses, que trabajaron distintos formatos utilizando los signos y el paisaje urbano como material de producción.
Cyroulnik, director del Centro Regional de Arte Contemporáneo de Montbéliard, dijo a Télam que "estas obras articulan paisaje y urbanismo, estructura y ritmo, mediante la reutilización de los signos e imágenes de lo urbano".
Tal es el caso de la instalación 'Pasagge' realizada por Elisa Strada con globos amarillos y negros, en la que crea un universo lúdico partiendo de los signos de circulación que transforman la geografía citadina en un espacio de formas abstractas.
De esta muestra participan los artistas argentinos Esteban Pastorino, Pablo Rosales, Carolina Antoniadis, Tomas Espina, Ana Gallardo, Elisa Strada y Graciela Harper y los galos Thierry Géhin, Michele Waquant, Catherine Melin y Thierry Bernard.  "La ciudad no es sólo una estructura abstracta formal y arquitectónica, los hombres, mujeres que la integran con o sin trabajo conforman la estructura familiar que es trabajada por los artistas en los monoblocs, que construyen una memoria individual y colectiva" sostuvo Cyroulnik.
Como ocurre en el video 'Clairs Soleils' de Bernard, en el que documenta la demolición de un edificio de monoblocks de la ciudad francesa de Besancon y rescata con su cámara los signos y restos de vida representados en objetos abandonados u olvidados por sus ocupantes.
"La tarea de estos artistas fue transpolar la estructura formal, la geometría de las ciudades a un universo abstracto que refleja realidades sociales y políticas", afirmó el curador.
Esto queda plasmado en la pintura mural de Catherine Melin, que extrae las imágenes y símbolos con las que construye su poética de lo urbano de una propensa a invadir el mundo hasta urbanizar el paisaje rural.
Realidades que también tienen su expresión sobre la violencia en las pinturas quemadas de Tomas Espina, generadas a partir de las manifestaciones populares de diciembre de 2001 que derivaron en la caída del gobierno de Fernando De la Rúa; y la inmigración en la fotografía conceptual de Harper, que superpone planos del barrio porteño de Constitución y afiches de bailantas.
Cyroulnik indicó que los artistas "juegan en sus obras con la intensidad cromática propia de las ciudades y reinscriben en ellas sus conflictos y disparidades individuales y colectivas, íntimas y públicas".
Así puede verse en el video 'Casa rodante' de Ana Gallardo, en el que filma objetos propios que guardan en sí mismos una parte de su identidad; o en el video 'El balcón', de Thierry Géhin, que juega con el anonimato del anciano y la contraposición con las flores jóvenes que riega en un pequeño jardín construido en su balcón.
En el marco de esta muestra, que se extenderá hasta el 12 de octubre, se realizó un ciclo de conferencias en la Casa de la Cultura, en el que los artistas disertaron sobre 'Tensión, movimiento, figura y color: la ciudad como disparador de dinámica, ritmos e intensidades' y 'Lo íntimo y lo anónimo: la ciudad como territorio de vida'. (Télam)

"Ofelia..." de Julieta Anaut, egresada del IUPA de Roca, Río Negro. Ella es cipoleña y este domingo el suplemento eH! publica un reportaje de su más reciente obra.



CONTEMPORANEO Y TECNOLOGIA EN "LOS ESTADOS DEL AGUA"

Por Dolores Pruneda Paz, de la agencia Telam


Una veintena de obras que entrecruzan el arte y la tecnología, se presentan en la muestra de "Estados del Agua", en la que exponen artistas consagrados y emergentes provenientes de la plástica, la danza, la gráfica, la robótica y la música, bajo el común denominador del trabajo experimental.
Se trata de instalaciones sonoras, de video, reactivas e interactivas y de objetos en pequeño y mediano formato diseñados a partir de la idea de utilizar al agua como materia mediante el uso de tecnologías analógicas y digitales.
Las características de las obras que se exponen en el espacio palermitano Objeto A, situado en Niceto Vega 5181, hacen que esta muestra se disfrute mejor cuando baja el sol, después de las 17; aunque puede visitarse, hasta el 27 de septiembre, de martes a sábado de 14 a 20; o la noche del 24, a partir de las 19.  Tal es el caso de las videoperformances realizadas por Enrique Aguirre; Paula Caetano; Julieta Anaut junto a Ignacio Laxalde; y Marta Cali, que recorren cuatro poéticas del yo en 'R como Río'; 'Me intimido'; 'Ofelia y el Cristalino Arroyo'; y Mar de Verano'.  O la video instalación de Marina Rubino, en la que una plancha de bolsitas plásticas con agua contaminada del río Pilcomayo se antepone a una pantalla que proyecta un documental de mujeres wichi que acopian agua de ese río, la misma que utilizan para el rito de iniciación y fertilidad de las jóvenes de esa comunidad.
Así como en 'Lo que siempre cambia pero nunca es distinto', un objeto creado por Paulino Estela que traduce en imagen y sonido los patrones de vibración del río que proyecta en una pantalla, inspirado en el principio de devenir del filósofo Heráclito.
La idea del agua tuvo que ver con que "es algo que está en el aire, su preservación y conservación es la preocupación de esta década, que va virando el foco del petróleo a la cuestión del agua y los alimentos", dijo Graciela Taquini, curadora de esta muestra.
"Nada más estético que el agua para trabajarla como objeto, en cuanto a textura, color y movimiento", afirmó esta investigadora multimedia que se inspiró en Kosice para montar esta exposición, el primer artista en usar al agua como materia y no como representación.
Esta instalación homenajea a Kosice, "denota su influencia como padre de los objetos que cada artista presentó y que tienen sus raíces en los años 40, cuando surgen los primeros que usan la energía eléctrica, el agua y el neón en sus obras", dijo Taquini.
La tecnología "no tiene que ver con hacer caramelos visuales que exploten en la retina sino con lo conceptual y poético", afirmó la curadora y aludió a "las flores congeladas que se derriten y hacen una danza increíble" en la pequeña pantalla montada por Daniela Muttis o las imágenes que se proyectan como medusas en el fondo azul y curvo del objeto diseñado por Margarita Bali.
El disparador agua integra la poética y el uso de la materialidad como en 'Nadan', la obra minimalista de Marta Ares, en la que el texto flota sobre la inmaterialidad azul de una serie de rectángulos concéntricos que equivalen al fondo de una pileta.
En la caja 'Dios de Agua', Mariela Yeregui permite al espectador introducirse en la cosmogonía africana mediante la lectura de una cinta que el visitante puede mover desde afuera para avanzar en el relato, y que se encuentra detrás de un prisma combo que "recrea la espacialidad más curva de abajo del agua".
El agua, o la ausencia de ella, también aparece en 'El cuarto árido' de María González, una maqueta lumínica con base de arena "debajo de cuya apatía y soledad brillan pequeñas luces"; o el cactus en acrílico de María Bedoian, tajeado en el medio por donde se pierde el agua que acopia en su interior.
Los 'Estados del agua' se recrean también en las fotografías de Luis Campo, quien "narra parte de la historia argentina con un dedo que escribe sobre la humedad de la ciudad consignas políticas de los años 70", dijo Taquini.
Con la instalación 'Tensión superficial', basada en la reacción de imanes en el agua, los artistas Crowe, Rusjan y Wloch -dedicados a la investigación tecnológica- hacen que el espectador pueda crear corrientes sobre el líquidos sólo con acercar su mano al objeto.
El mar azul de 'Horizonte variable', de Martín Bonadeo, permite al público probar la reacción de una serie de termómetros a su temperatura corporal que cambian el tono de azules según quién los toque.
La interacción del público tiene otro matiz en Osmos, la vasija diseñada por Luciano Anzigotti, compuesta por un sistema digital en su interior que registra en su memoria las voces de los presentes y luego las proyecta según una serie de variables prefijadas por el músico.
"Esta vasija recupera en su memoria las voces del presentes, lo que metafóricamente sería el río que recupera el agua que llegó a orilla", dijo Anzigotti, quien el 24 de septiembre a las 19, explicará los aspectos técnicos de su diseño en Objeto A.