La 53 edición de la Bienal de Arte de Venecia, que se celebrará en junio del 2009, será dedicada al proceso creativo bajo el lema "Construir mundos", indicaron este viernes los organizadores.
La Bienal de Arte, dirigida por el crítico de arte estadounidense Daniel Birnbaum, entiende romper con la tradicional exposición de obras de arte, para mostrar ante todo el proceso creativo del artista, su visión, su mundo interior.
"Más que un objeto o una mercancía, se quiere presentar una visión del mundo y si se toma más en serio, mostrar la construcción de mundos", sostiene en el comunicado Birnbaum.
La exposición internacional, que se abrirá el 7 de junio y se clausurará el 22 de noviembre, abrirá también espacios nuevos para los talleres de los artistas, y junto a los lugares de creación y de formación, explorará "la relación con artistas claves de generaciones sucesivas", indica la nota.
Más de 70 países suelen participar en la Bienal de Venecia, que este año recibirá por primera vez artistas de Andorra, Emiratos Arabes Unidos, Gabón, Montenegro, Pakistán, Mónaco, Africa del Sur. Otros países como Irán, Marruecos y Nueva Zelanda estarán de nuevo representados por sus artistas nacionales.
Entre los pabellones por naciones figura el del Instituto Italo-latinoamericano (IILA) que presenta bajo una sola bandera artistas de todo América Latina.
La Bienal del 2007 premió con el León de Oro por primera vez en su centenaria historia a un fotógrafo y a un africano: Malick Sidibé, de 71 años.
Daniel Birnbaum, rector desde el 2001 de la Stadelschule Art Academy de Francfurt, crítico de arte y filósofo, también asesora este año al comisario de la Trienal de Yokohama (Japón) y al comisario de la segunda Trienal de Turín (Italia).

Por Rosa Aranda, desde BERLIN


De la agencia DPA


Berlín inauguró uno de los centros de arte más esperados: una galería contemporánea provisional que hasta 2010 mostrará una síntesis del arte que produce la inquieta capital alemana y que se emplazará junto al lugar que ocupó el Palacio de la República o "Cámara del Pueblo", la sede del Parlamento de la extinta República Democrática Alemana (RDA).
El nuevo museo, un enorme cubo de madera y cemento y fachada azul y blanca, se levanta sobre una superficie de 1.200 metros cuadrados junto a las ruinas del polémico Palacio de la República, que aunque había sido construido en la década de los 70 para la eternidad, ahora se encuentra en la fase final de demolición.
Los numerosos turistas que se acercan a las orillas del río Spree a ver de cerca lo que fue hasta hace pocos años la "Cámara del Pueblo", no pueden hacerse una idea del aspecto que tuvo aquel lugar que no sólo se utilizó para asuntos administrativos, sino que también albergaba restaurantes, galerías de arte y un teatro.





Después de muchos años de discusiones, en 2004 se decidió destruir el palacio de la Alemania comunista, pese a los muchos movimientos alemanes e internacionales que exigían conservar el edificio por su valor histórico.
Nada consiguieron las sonadas iniciativas políticas y artísticas de protesta ni las numerosas personalidades que levantaron su voz, como el protagonista de la película "Good bye, Lenin!", el germano- español Daniel Brühl, o la actriz de origen alemán Sandra Bullock.
En 2005 el histórico lugar junto a la catedral y a la plaza Alexander Platz acogía el "White Cube", una enorme construcción cúbica similar a la actual que venía a ser la exposición de despedida que casi 40 artistas de Berlín dedicaban al palacio de la República a la vez que exigían un espacio en Berlín en el que exponer el arte contemporáneo. Sus voces se han escuchado ahora y los artistas tendrán ese lugar con la "Kunsthalle auf Zeit" o galería de arte temporal del arquitecto austriaco Adolf Krischanitz, que presentará en un espacio de 600 metros cuadrados las obras de cientos de artistas residentes en Berlín y protagonistas de la fuerza creadora de esa ciudad, meca actual de artistas de todo el mundo.
Pero sólo será hasta 2010 cuando desaparezca para siempre el enorme esqueleto del Palacio de la República y en su lugar, en la "Schlossplatz" o Plaza del Palacio, llamada Marx-Engels-Platz entre 1951 y 1994, se erija uno de los monumentos más polémicos de la Alemania actual: una nueva versión del Palacio Real de Berlín que construyeron los Hohenzollern y que fue dinamitado en los años 50 por el régimen de la RDA, después de que quedase seriamente dañado por los bombardeos aliados durante la Segunda Guerra Mundial.





La nueva construcción, levantada en tan sólo cinco meses, representa el final de una era y el comienzo de una nueva: nace con la desaparición del Palacio de la República de la Alemania comunista y se extingue con la aparición de un nuevo palacio a imagen y semejanza del que levantaron los prusianos.
Por ello, sus organizadores pretenden que sea "una voz entre pasado y futuro" y un auténtico escaparate de la gran cantidad de arte que produce Berlín y que hoy en día sólo se expone en las miles de pequeñas galerías que atestan la ciudad.
Desde este miércoles y hasta 2010 se organizarán ocho exposiciones en su interior y cuatro proyectos externos en su fachada.
La primera en exponer en la nueva galería, que ha supuesto unos costes de cerca de 950.000 euros (cerca de 1,2 millones de dólares) será la sudafricana Candice Breitz, que desde el miércoles y hasta el 28 de diciembre mostrará al público su colección de video- instalaciones centrados en la cultura pop.
Hoy, durante la presentación de la imponente galería de arte, el secretario de cultura de la ciudad de Berlín, André Schmidt, dijo que su mayor deseo sería que en 2010, cuando se acabe su tiempo en Berlín, el edificio rotase por ciudades como Moscú, Pekín o Tokio "para dar a conocer al mundo el arte contemporáneo de Berlín".

Más info en wwww.kunsthalle-berlin.com

En pleno preparativos en la International Contemporary Art Fair, Fiac 2008, en París.




"Lipid Opus-1" , del artista indio Jitish Kallat.




"4 a 4 number 7", del francés Francois Morellet.


Fotos: agencia AP

Por Mercedes Ezquiaga, de la agencia Telam


Entre el mutismo absoluto y casi en secreto, el Museo Fortabat se prepara para abrir sus puertas al público el miércoles próximo en un inmenso espacio diseñado por el prestigioso arquitecto Rafael Viñoly, en seis mil metros cuadrados situados en el dique 4 del coqueto Puerto Madero, que exhibirá las obras de su colección, que van de Berni a Van Gogh y de Warhol a Prilidiano Pueyrredón.
Aunque poco quieren dar a conocer los organizadores por ahora sobre las piezas que estarán en exposición hasta que el museo esté formalmente abierto, ya se presume que la colección albergará en su recorrido la imagen de Warhol que el mítico artista pop realizó de Amalia Lacroze de Fortabat en los años 80 y se exhibirán más de mil piezas de su colección privada.
Emplazado a pocos metros del río, el museo de última generación es un moderno edificio de hormigón, acero y vidrio, con dos amplias salas de exposición en el subsuelo, una hemeroteca, auditorio, oficinas y cafetería, coronado por una cúpula curva y vidriada, cubierta por un sistema de parasoles móviles de aluminio que se abren y se cierran según la posición del sol.



Se trata de un diseño realizado por el uruguayo Rafael Viñoly, prestigioso creador radicado en Nueva York en los años 80, que ya diseñó el Forum de Tokio, el Centro Financiero de El Cairo y la Biblioteca de Chicago, entre otros ambiciosos proyectos.
Una de las particularidades del espacio es su techo articulado, que podrá abrirse totalmente dejando el último piso al aire libre e incluso, el edificio estará protegido por carísimos cristales de bajo contenido de óxido de hierro, que los hace igual de luminosos que los que tienen la mitad de espesor.
La Colección Fortabat está integrada por obras de los artistas William Turner, Paul Gaughin y Andy Warhol, además de un recorrido abarcativo del arte argentino, tanto del siglo XIX -Pueyrredón, Morel y Palliere- como de la centuria pasada.  Hay óleos de Ernesto Deira, Rómulo Macció, Xul Solar, Emilio Pettoruti, Marta Minujín, Fernando Fader y Nicolás García Uriburu, así como una instalación completa de Antonio Berni, donde destaca "La difunta correa", "Domingo en la chacra", "Ramona espera" y "Gallito ciego".


Atesorada a lo largo de más de 30 años, la colección incluye también obras de los pintores viajeros Revol, Vidal y Monvoisin, de Batlle Planas, Alberto Greco, Pablo Suárez, Alberto Heredia y Norberto Gómez, entre otras firmas.  Finalmente, luego de más de ocho años de trabajos, el proyecto de la empresaria de reunir en un mismo espacio su vasta colección de arte verá luz en el edificio de Olga Cossettini 50, frente a la hilera de torres encabezada por el edificio República y Bouchard Plaza.
Pese a que el hermetismo rodea todo lo concerniente a la exposición del museo, se presume que se verán también piezas de los argentinos Carlos Alonso, Leopoldo Presas y Fernando Benedit, así como la muy comentada "Julieta y su niñera" de Turner, que Fortabat adquirió por siete millones de dólares y que conforma su colección impresionista junto a Renoir y Gauguin.
En palabras de la propia Amalita, "mirar una obra de arte es siempre una experiencia estética que no pasa sin dejar huella. Las obras de arte nos enriquecen haciéndonos comprender algo más acerca del mundo y de nosotros mismos", dijo hace un tiempo.
Los premios Fortabat, con los que la empresaria dio un impulso decisivo al arte argentino desde 1984, también se integrarán al patrimonio del nuevo emprendimiento, aunque es probable que el museo no vaya a albergar la totalidad de su valiosa colección. 
Esta semana que empieza (el miércoles, en la apertura formal al público, y el lunes, por invitación) quedará develado el misterio de las obras en exhibición, en uno de los proyectos de carácter artístico más ambiciosos de los últimos tiempos realizados en el país.

Por María Carmona , desde PARIS

De la agencia AFP
Fotos: agencia AP


Pese a ser el autor de la más radical de las revoluciones pictóricas, Pablo Ruiz Picasso se inspiró a lo largo de toda su vida de los grandes pintores de otros siglos, estableciendo con ellos un diálogo permanente: La exposición "Picasso y los maestros" en París muestra esa relación fascinante.
La muestra, que será inaugurada el miércoles en el Grand Palais, "tiene un carácter casi milagroso", dada la dificultad de reunir las obras que la componen, señaló Anne Baldasari, directora del museo Picasso de París y comisaria de la exposición, al presentar la misma a la prensa.
En efecto, la muestra reúne más de 200 cuadros del Greco, Velázquez, Goya, Ribera, Zurbarán, Tiziano, Rembrandt, Van Gogh, Delacroix, Manet, Cézanne, entre muchos otros artistas, y de Picasso, por supuesto, procedentes de colecciones privadas y de museos franceses e internacionales, entre estos el Prado de Madrid y el Museo Picasso de Barcelona.





"Una concentración inédita de obras maestras", en palabras de Thomas Grenon, administrador general de la Reunión de Museos Nacionales de Francia, que organiza la exposición.
El recorrido es a la vez temático y cronológico, pero estos dos criterios son supeditados a un solo hilo conductor: la mirada y la pintura de Picasso.
En las salas sucesivas ("Yo Picasso" "Modelos", "Colores", "Variaciones", "Desnudos") las obras de Picasso muestran la relectura de los grandes maestros que hizo a lo largo de toda su vida, desde los primeros dibujos al carbón académicos del joven de 13 años que firmaba todavía P.Ruiz, a cuando "se ve ya al gran pintor que va a ser", según Baldassari.
Sus retratos, colgados junto a otros de Goya, Velázquez, el Greco, Cézanne au Gauguin, recrean éstos.
A lo largo de las salas su "Muchacho conduciendo un caballo" hace eco al "San Martín y el mendigo" del Greco, su "Hombre con guitarra" al "San Francisco en su tumba" de Zurbarán, "El peinado" a la tela del mismo título de Renoir. Más allá, "Tres mujeres en la fuente de Picasso" se confronta con "Eliezer y Rebeca según Poussin" de Ingres y el vínculo entre pintores se prolonga: Picasso dialoga con Ingres que dialoga con Poussin. Picasso se inspira de la estructura espacial del "Sueño de Felipe II" del Greco --cuadro "protocubista", dice Baldassari--, transforma con humor en "La meona" la tela "Mujer bañándose en un río" de Rembrandt, y los mendigos de Murillo y Velázquez inspiran su "El bobo".





En cada cuadro puede verse la manera como mira a los maestros para elaborar una obra que tiene en cuenta a la vez la sustancia y la forma. Velázquez es una referencia esencial. Junto al "Retrato del enano Sebastián de Mora" del maestro sevillano, se exponen tres telas de Picasso que lo recrean. Una sala especial es dedicada a "Las Meninas" (joya de El Prado que no vino a esta exposición), junto a las variaciones que Picasso hizo de ellas, en grises o con un estallido de colores.
"Picasso se inscribe en el cuadro de Velázquez en contraluz", señala Baldassari.
En la misma sala, pueden verse una junta otra también las telas "La infanta María Margarita" de los dos artistas.
En la última sala, la exposición reúne varios de los más bellos desnudos de la historia del arte: "La maja desnuda" de Goya, la "Olimpia" de Manet, la "Venus con el amor y la música" de Tiziano y una "Odalisca" de Ingres deslumbran junto a los desnudos de Picasso. "Nadie vio nunca antes la 'Maja" y 'Olympia' juntas. Tampoco Picasso", recalca Baldassari.
Paralelamente a la muestra principal en el Grand Palais, dos salas dedicadas a Picasso-Delacroix y Picasso-Manet respectivamente pueden verse en el Museo del Louvre y el Museo de Orsay.
El objetivo de la exposición no es mostrar tal o tal influencia. "Picasso es quizá el único pintor que porta en si a todos los otros grandes pintores de todas las épocas. Picasso vive en la pintura, lleva en sí a Velázquez, al Greco, a Goya y a tantos otros", agrega Baldassari.
"Picasso cambió el mundo, nos restituyó toda la pintura" y es "esa cofradía de maestros que en su época quisieron revolucionar la pintura quienes acompañan a Picasso, lo alientan", agrega. "Pero no quisimos un conjunto aplastante de obras. La exposición está organizada como un teatro del que los cuadros son los actores, y en el cual cada espectador puede construir su propia muestra", concluyó.