Alemania inaugurará una exposición que bajo el título "1937. Perfección y destrucción", se centra en la devastación de la ciudad de Guernica durante la Guerra Civil española (1936-39) y en las reacciones a la exposición nazi "Arte Degenerado", contra el arte moderno. "A través del arte, queremos revivir una época", dijo un representante del museo Kunsthalle de la ciudad de Bielefeld, en el que se expone la muestra.
"Creo que con la exposición aclaramos un año importante en la historia", añadió. La destrucción de la ciudad vasca fue la inspiración del artista español Pablo Picasso para pintar el cuadro "Guernica". En total se expodrán unas 400 obras de 180 artistas internacionales, explicaron los organizadores durante la presentación de esta colección, que abrirá sus puertas del 30 de septiembre al 13 de enero de 2008.
Pintura, escultura, dibujos, gráficos y fotografías, todo cabe en esta exposición cuyas obras proceden de 120 museos y colecciones privadas, entre ellas, varias de España, Italia, Polonia, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, México y la extinta Unión Soviética, indicaron los organizadores. En una primer momento pueden contemplarse varios trabajos de lo que los nazis consideraban verdadero arte, como los documentos de vídeo de la cineasta alemana Leni Riefenstahl, que trabajó para Hitler, y de otros artistas que crearon el llamado arte fascista. En contraposición se pueden ver, entre otros, las obras modernas y de la vida diaria de autores alemanes como Max Beckmann y Richard Oelze, rechazados por el Nazismo, así como el arte de protesta en España o el socialista en la desaparecida Unión Soviética. Al final de la muestra, se dedica un lugar especial al surrealismo internacional, también difamado por Hitler. Así, puede verse a Salvador Dalí, Joan Miró, Max Ernst y Man Ray, que como muchos otros, utilizaron su arte con fines políticos.

Por Anne Padieu

El pintor expresionista alemán Emil Nolde (1867-1956) tiene ya desde esta semana su propio museo en Berlín, la ciudad donde pasó todos los inviernos desde 1905 y que le inspiró la mayor parte de su creación. El recién inaugurado museo, que de hecho es la filial berlinesa de la Fundación Nolde, en Seebull, en la costa del mar del Norte fronteriza con Dinamarca, está en pleno corazón de la capital alemana, la ciudad amada por el creador. "Nolde no se puede definir sin su región de origen y sin Berlín", declaró a la AFP el director de la Fundación, Manfred Reuther, el jueves, con motivo de la inauguración del museo, que cuenta con 600 metros cuadrados de galerías, entre grandes salas y otras más pequeñas de atmósfera más intimista.
El museo ofrecerá anualmente tres exposiciones temáticas temporales. La primera, hasta enero de 2008, está consagrada a las obras realizadas en Berlín durante los inviernos de 1910 y 1911 sobre temas como el teatro, el cabaret y la danza. En ese período, Nolde dio prueba de una gran productividad, creando unas 300 acuarelas y 17 telas con escenas de la vida nocturna berlinesa.
"La gran ciudad representa un tema central del expresionismo alemán", explica Reuther al lado del responsable de la filial berlinesa de su Fundación, Jorg Garbrecht. Nolde afirmaba amar "el intercambio de reflexiones con amigos y personas sobre acontecimientos y temas de arte" en la capital alemana. Iba regularmente al teatro y al cabaret y se llevaba consigo "tubos de pintura y pinceles para color", explica Reuther.
Amigo de la gran estrella de la danza expresionista alemana Mary Wigman, trabó amistad también con el célebre compositor austríaco Arnold Schönberg hacia 1920. Nacido en una familia de campesinos, el pintor cambió en su juventud su apellido original por el nombre de su ciudad natal, "Nolde", si bien fue con Berlín con la localidad que mantuvo una estrecha relación artística.
Fascinado por Gauguin, Van Gogh y Cézanne, intentó sin embargo promocionar el arte alemán frente al francés y formó parte de una asociación de defensa del patrimonio alemán. Esa posición fue interpretada a veces como un compromiso con posiciones nacionalistas, según los expertos. En 1937 fue decretado "artista degenerado" por los nazis, que le prohibieron pintar en 1940. Se retiró al pueblo de Seebull y, en secreto, pintó más de 1.300 acuarelas durante los años del nazismo. Su taller berlinés, en cambio, se quemó en los bombardeos de 1944.
La Fundación Nolde, que es privada, fue creada en 1956 por deseo de la pareja Ada y Emil Nolde, que así lo dejaron estipulado en su testamento. Desde 1957, más de 160 obras --paisajes, fondos marinos, imágenes de viajes o sueños-- se pueden contemplar en la antigua residencia y taller del pintor en Seebull, un lugar idílico de fusión entre el arte y la naturaleza. Francia se sumará en 2008 a la recuperación del recuerdo del expresionista con una retrospectiva en el Gran Palais de París, que se inaugurará el 23 de septiembre de dicho año, anunció a la AFP el comisario de la exposición, Sylvain Amic. "Hace 40 años que no ha habido una exposición de Nolde en Francia y nunca se realizó una en París", precisó por su parte el conservador del museo Fabre de Montpellier (sur), donde también está prevista una retrospectiva del alemán a principios de 2009. Sólo existe una pintura de Nolde en una colección pública francesa: una naturaleza muerta de 1914 expuesta en el centro Georges Pompidou de París.

La nueva apuesta del museo Van Gogh de Amsterdam

Tras Glasgow, Viena y Praga, el museo Van Gogh de Amsterdam presenta "Barcelona 1900", una apasionante exposición que narra la metamorfosis, en una generación, de una ciudad artística y socialmente floreciente como es esa metrópolis del noreste de España.
Pintores, arquitectos, orfebres, músicos y también industriales y obreros, todos los profesionales de cualquier tipo y condición contribuyeron a hacer de Barcelona, entre 1880 y 1909 la "París del sur" o l "Manchester catalana". "La dificultad ha sido presentar el mayor número posible de medios diferentes", explicó la catalana Teresa Sala, comisaria invitada de la exposición, que permanecerá abierta hasta el 20 de enero de 2008.
"Por eso decidimos organizar una visita a través de Barcelona, desde sus restaurantes hasta las residencias burguesas, pasando por las fábricas de la ciudad", agregó Sala en la presentación ante los periodistas, el jueves, en la capital holandesa. "Hace unos meses estuvo en Nueva York inaugurando otra exposición sobre Barcelona", afirmó por su parte el ministro de Cultura del gobierno regional catalán, Juan Manuel Tresserras.
"Allí estuvieron representados todos los grandes nombres, algo necesario para los críticos estadounidenses; pero aquí, en Amsterdam, la exposición explica verdaderamente la transformación que se produjo a finales del siglo XIX en Cataluña", explicó el ministro. Para este último, esa transformación hizo que "en una sola generación, accdiésemos a la cultura de masas". "¡Fue nuestra revolución cultural!", aseguró. Los amantes de Picasso o Gaudí, no obstante, tampoco se verán decepcionados. Ambos genios están representados en la exposición con sus pinturas o sus muebles. En todo caso, ya fuese calificada como de "París del sur" o del "Perla del Mediterráneo", Barcelona "fue también la capital de las bombas, un centro del anarquismo en Europa", recordó Sala.
Ese aspecto revolucionario convivía con una deliciosa sofisticación, representada en las joyas de Lluis Massiera, que tanto le gustaban al joyero francés Lalique, o en los animales de teselas de cerámica de Gaudí, que acabó explotando en 1909. El gobierno de Madrid movilizó tropas para ir al norte de Africa bajo el pretexto, de forma que los ricos pudieron escaparse de la ciudad, mientras que los pobres, se lanzaron a las calles.
Dado que la Iglesia católica apoyó la iniciativa del gobierno, sus conventos, iglesias y cementerios se vieron especialmente afectados por los pillajes y los incendios. En tan sólo un verano, la "revolución cultural" barcelonesa terminó. Ahora, la exposición en el museo Van Gogh --que dispone de un catálogo en holandés, francés, inglés, español y catalán-- ha vuelto a resucir todo ese período histórico.

El arte de lo doméstico más allá de las épocas

Por María Carmona

Los objetos domésticos y muebles desde la revolución industrial hasta nuestros días son el tema de la exposición "Diseño contra diseño" que, dejando de lado el viejo debate sobre la oposición o no entre arte y diseño industrial, propone, en el Grand Palais de Paris, un panorama fascinante de dos siglos de creación.
Renunciando a todo recorrido cronológico, la muestra, que reúne unas 200 piezas, está organizada temáticamente en salas en las que conviven y dialogan obras de distintas épocas. Tres grandes temas presiden las tres principales salas, Formas, Contextos, Arquitectura. Entre ellas, dos "rotondas", suerte de entreactos, están dedicados respectivamente a la persistencia de los estilos occidentales y a la influencia del primitivismo en el diseño. En la sala Formas, cuyo centro ocupa un banco "Iceberg" (2003) de forma anamorfósica de Zaha Hadid, una escalera de biblioteca de Josp Hoffmann de 1903 se compara con un cubo modular de Sol LeWitt de 1968, y un canapé de madera del siglo XVIII con una tumbona de cartón ondulado de Frank Gehry de 1979.
La sala Contextos evoca el medioambiente en el diseño, las formas de inspiración animal y vegetal, y también el cuerpo humano, desde el sillón boca de Bertrand Lavier, inspirado del creado por Salvador Dalí, hasta las cajoneras antropomorfas de André Groult (1925) y Marc Newson (1987), pasando por el ojo-asiento de Man Ray o dos tazas en forma de teta, una de porcelana del siglo XVIII y otra contemporánea. La pieza central de la sala es una enorme habitación-útero, una instalación de Josep Van Lieshout, que hubiera podido estar también en la tercera parte del recorrido, "Arquitectura", dedicado a los muebles de inspiración arquitectónica, pero también a los muebles-habitáculos.
"Se ha reprochado a menudo a las exposiciones de diseño el ser un poco cajón de sastre, un chamarileo en el que se encuentra de todo. Nosotros hemos optados por una selección presentada en conjuntos coherentes", explicó Jean-Louis Gaillemin, comisario de la exposición, al presentar la exposición a la prensa y exponer los motivos de una muestra no cronológica.
"Hemos optado por una presentación temática porque eso me permite presentar juntos objetos de fechas muy alejadas y mostrar los vínculos, los saltos en el tiempo, las persistencias y lo recurrente. Sabemos hoy, por ejemplo, que la estética neoclásica ha desempeñado un rol sumamente importante en la juventud de lo que hoy llamamos diseño", agregó. "Este acercamiento temporal no permite plantear también la cuestión de la forma y la técnica. Se ha dicho a menudo, según una sociología materialista, que una nueva técnica egendra nuevas formas, pero aquí nos damos cuenta que una nueva técnica es aplicada y explotada sólo cuando la necesidad de la forma, la necesidad artística, existe ya".
"Nos permite interrogarnos asimismo sobre los ciclos, los problemas de materias y la relación entre la teoría y la práctica", agregó. La exposición "Diseño contra Diseño" será inaugurada el martes próximo y estará abierta al público hasta el 7 de enero de 2008. El catálogo de la misma incluye varios ensayos que abordan la relación del diseño con la arquitectura, la literatura, la moda, el cine y los cómics. (AFP)

México inaugura primera muestra en América Latina de este tipo


Por Jennifer González

"Los fotógrafos ciegos obtenemos tres diferentes fotografías de una imagen: la que imaginamos, la real y una mezcla de las dos que es la que a veces terminamos mostrando", dice el mexicano Eladio Reyes, uno de los expositores de la primera muestra fotográfica táctil de América Latina.
"Tocando la fotografía" reúne el trabajo de 15 artistas, cuatro de ellos ciegos y el resto videntes de prestigio, como la mexicana Maya Godet, y tiene como objetivo no sólo mostrar el trabajo de los artistas invidentes. Intenta también mostrar que "el arte se puede apreciar sin recurrir a la vista", comentó en conferencia de prensa Claudia Jacques, coordinadora de Exposiciones Accesibles y miembro de la organización "Ojos que Sienten".
Para lograrlo se diseñaron diagramas táctiles (conjuntos de líneas resaltadas de distintas formas sobre una superficie plana) que acompañan las fotografías y que son casi idénticas a la imagen plasmada en papel fotosensible, un esfuerzo inédito en América Latina y que en México se usará para mostrar próximamente las pinturas del mexicano Rufino Tamayo. En la exposición, instalada en una pequeña galería de la Ciudad de México, el público contará también con minuciosas descripciones auditivas de la imagen e instrucciones para poder leer los diagramas con los dedos.
Pero lo más atractivo de la muestra fotográfica es la obra de los ciegos, una iniciativa todavía difícil de entender para la mayoría de los videntes. Para el resto, los ciegos "somos todos una masa amorfa", negando la individualidad de cada uno incluso en procesos creativos como la fotografía, lamenta Eladio Reyes.
"El estilo de cada fotógrafo ciego es diferente", responde cuando se le pregunta cómo tomas sus imágenes. Motivado sobre todo por la "curiosidad", Reyes cuenta que "tenía un perro que se llamaba 'Pito'" que fungía como su "asistente". "Con él que iba a la playa, entonces cuando asustaba a las muchachas con sus ladridos yo tomaba la foto y el resultado era una fotografía de un impresionismo forzado", dice al describir una de sus técnicas. Otra forma era "lanzando una lata para que la agarrara un perro en el aire y en ese momento tomaba la foto y el laboratorista me decía que en la imagen había un perro negro sin cola, cuando yo había imaginado un perro blanco de rabo larguísimo, entonces mezclaba las dos imágenes y así obtenía tres de una sola imagen", añade.
A diferencia de los fotógrafos videntes "yo no tengo un visor, tengo un contemplador", prosigue Reyes que antes de la conferencia no dejaba de tomar fotografías con una cámara de aficionado que apoyaba en su mejilla a la altura de la boca y dirigía hacia lo que escuchaba. "A todos los seres humanos nos falta algo, todos necesitamos de algo o de alguien, en conclusión todos somos discapacitados", destacó el artista. La organización "Ojos que sienten" también ofrece cursos de fotografía y catas de vino para ciegos. (AFP)