La exposición "Art of Albion", del rockero británico Pete Doherty, que incluye jeringas usadas, fotos destrozadas y poesía, llega a París, según anunció hoy el director de la Galería Chappe, Alexander Gilbert, en la capital francesa. "Hasta dibuja con su propia sangre", dijo Gilbert. Los 32 cuadros de Doherty, entre los que hay autorretratos, collages, ilustraciones de noches en prisión, homenajes al grupo Babyshambles y a su ex novia, Kate Moss, serán expuestos en la galería entre el 25 de abril y el 11 de mayo. Según declaraciones de Gilbert, la modelo fue retratada con un lápiz labial. El propio artista no podrá estar presente en la inauguración de la muestra debido a que se encuentra encarcelado. La exposición se realizó el año pasado en Londres.

La exposición "Los sueños del espejo", que pretende mostrar la trayectoria cinematográfica de Carlos Saura a través de una importante selección de proyecciones, fotografías, dibujos, cuadernos de rodaje y guiones, se acaba de inaugurar en siete salas del Centro Cultural Recoleta.
Se trata de una construcción visual de naturaleza laberíntica, a través de grande paneles proyectores, donde confluyen secuencias de imágenes elocuentes de su lenguaje fílmico, que a su vez constituyen núcleos que remiten a los temas principales del cine del realizador español.
De este modo, la narración de la exposición aparece estructurada en ámbitos titulados "vidas", "músicas", "retornos" e "imagen de España", donde se suceden de manera aleatoria fragmentos de "El séptimo día", "Bodas de sangre", "El jardín de las delicias" y otras, pero en silencio o a un volumen muy bajito.
"Pensamos que dentro de 20 o 30 años no nos acordaremos de lo que decía nadie (en el filme) pero si recordaremos un primer plano, un plano general o un travelling, que en un momento determinado destapaba o desvelaba algo que ha construido nuestro imaginario y eso es muy importante", dijo a Télam el español Paco Algaba, curador de la muestra junto con Chus Tudelilla.
Es que para los comisarios (como dicen en España a los curadores) de esta exhibición, preparada para el Festival de Cine de Huesca 2007, Saura ha recurrido a lo largo de su extensa, diversa y compleja trayectoria, a determinados mecanismos visuales y narrativos que tienen entre sus objetivos centrales reafirmar la permanencia de la imagen.
Sus sueños, obsesiones y pensamientos, son abordados en la muestra, siempre bajo la impronta de a permanencia de la imagen más allá del tiempo en que fueron realizadas.
"Nosotros queremos convertir al espectador en protagonista en esos momentos de mirada, y va a ser el protagonista el que les va a dar el contenido a estas imágenes, así como queremos subrayar la capacidad no solamente deslumbrante de esas imágenes, sino también las alegorías en el cine de Saura", explicó a su vez Tudelilla.
Las secuencias de películas editadas no están indicadas con textos junto a cada pantalla porque "lo importante no es establecer relaciones de comunicación gráfica, sino dejar los espacios limpios, para que el visitante asista a las imágenes de la misma manera que cuando ve una película en el cine".
En otras salas paralelas a la muestra, aparecen otros ejes como "El lugar de la memoria", "Dibujar el mundo", "Espejos detenidos" o "Ejercitar la imagen", donde se profundizan en las relaciones entre realidad y ficción o recoge secuencias de su cine en las que la fotografía ocupa un lugar destacado.  Se pueden apreciar además los guiones y cuadernos de trabajo que Saura elabora durante el rodaje de sus películas, donde la palabra se alía con el dibujo y dan testimonio de su irrefrenable capacidad para expresar la permanencia de la imagen.
"Durante el rodaje de una película y en las pausas entre plano y plano, escribo, escucho música, hago fotografías y sobre todo hago dibujitos sobre lo que voy a hacer o sobre lo que ya he hecho", dijo alguna vez Saura, de 76 años.  "Intuyo -continuó- que el dibujo, la fotografía, la escritura, la música y el cine están íntimamente unidos, tan relacionados, dentro de mí que no podría prescindir de ellos, a no ser que cortaran una parte de mi cuerpo".
La última sala "está íntimamente relacionada con una Buenos Aires queridísima por Carlos Saura, su ciudad más querida después de Madrid", donde se exhiben una serie de fotografías del filme 'Tango', que el cineasta ha hecho en el proceso creativo de la película.
Organizan el Centro Cultural Recoleta, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), la Diputación Provincial de Huesca y el Festival de Cine de Huesca.
Se podrá visitar la exposición "Los sueños del espejo" hasta el 18 de mayo, de lunes a viernes de 14 a 21 y los sábados, domingos y feriados de 10 a 21, en las salas 4, 5, 6, 7, 8, 9 y 10 del centro cultural ubicado en Junín 1930.

...tras ser rescatados del mar

El antiguo Egipto llega a España y lo hace a través de tesoros recuperados de los fondos marinos. Los reyes Juan Carlos y Sofía inauguraron hoy en Madrid la muestra "Tesoros sumergidos de Egipto", que llega a la capital española tras haber cosechado un gran éxito en Berlín, Bonn y París.
La estatua del dios de la crecida del Nilo y símbolo de fertilidad y abundancia, Haspi, tiene unos 2.000 años de antigüedad y, con aproximadamente cinco metros, es la más alta descubierta hasta ahora en Egipto.
Se puede apreciar cerca de la cabeza del dios Serapis desde el miércoles y hasta el 28 de septiembre en los 4.700 metros cuadrados que dedica a la muestra el antiguo Matadero de Legazpi, reconvertido en importante centro cultural de la capital española.
Joyas, monedas de oro, esfinges y cerámicas que datan de entre el siglo VII a.C. hasta el VIII d.C., se encuentran entre los 500 objetos de las antiguas ciudades de Alejandría, Heraclion y Canopo que pueden ser apreciados por los visitantes.
El arqueólogo marino Frank Goddio y su equipo los recuperaron en la bahía de Abukir y en el puerto de Alejandría a lo largo de 12 años. Los reyes, acompañados en la inauguración entre otros por el ministro de Cultura, César Antonio Molina, y el alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, calificaron la muestra de "fantástica" y "maravillosa".

La muestra "Los artistas del pueblo. 1920-1930" que acaba de inaugurar en espacio Imago, reúne más de 140 obras entre pinturas, grabados, dibujos y esculturas del "primer grupo de arte social en la Argentina", integrado por José Arato, Adolfo Bellocq, Guillermo Facio Hebequer, Abraham Vigo y Agustín Riganelli.  La exposición aborda no sólo la vasta producción artística del grupo -que provenía de sectores populares, adhería a las ideologías de la época y entendía el arte como un modo de intervenir en la sociedad- sino también la importancia que tuvo en el desarrollo del arte argentino del siglo XX.
"Ellos formaron el primer grupo de arte social en la Argentina -enfatiza el curador de la muestra, Miguel Angel Muñoz, en una entrevista con Télam-. Son artistas con una militancia política, que desarrollan un programa. Una actitud novedosa para 1920, que después, a lo largo del siglo, va a ser una constante". 
"Al lado de ellos -ejemplifica- 'Sin pan y sin trabajo', la famosa obra de Ernesto de la Cárcova es también una obra social pero que hizo entre muchas otras obras, porque De la Cárcova no tenía un programa social, sino uno artístico, en cambio estos artistas sí lo tenían; lo que después harían Demetrio Urruchúa, Antonio Berni o Carlos Castagnino". 
Estos artistas son los mismos que en 1920 se vincularon con los escritores del Grupo de Bodeo (entre quienes destacan Elías Castelnuovo, Alvaro Yunque y Leónidas Barletta), junto a los que combatieron por un arte social comprometido con los sectores populares.
De este modo, los temas más recurrentes en las pinturas y grabados del grupo fueron los sectores más vulnerables de la sociedad, como los vagabundos, los chicos de la calle, las prostitutas, las mujeres, los trabajadores explotados, el arrabal o la ciudad moderna vista como una Babel, temas que a su vez sirvieron a Muñóz para organizar los ejes de la muestra.  Por eso, cada panel que da inicio al recorrido por los distintos subnúcleos de la exposición está acompañado de un texto de alguno de los escritores mencionados, junto a una reproducción de la tapa del número uno de la revista Claridad, en las que todos ellos participaban.
"Como la faceta del grupo es social, la obra de estos artistas del pueblo tiene toda la intención de ser popular, con un sentido socialista. Algunos más otros menos, pero todos militaban en la izquierda, por eso hacen un arte con contenido, porque pretenden, con suerte, intervenir en la cuestión social", describe Muñoz. 
"Entendían el arte como un arma de revolución... ¿Utópicos? Si, y un poquitín disparatados -admite- con su mejor intención. Es que la década del 20 fue de mucho esplendor económico en la Argentina, entonces ese discurso de la miseria del trabajador, aunque habría quienes lo sufrían, no fue demasiado apoyado por el pueblo".  Durante la recorrida, se puede ver "una reiteración en la temática de la mujer vista como la muchacha joven, como éstas de Arato que son bellísimas -dice Muñoz mientras señala la obra-, las madres de barrio, las mujeres pobres, las viejitas y las prostitutas, algunas tituladas "La mala vida" o "las locas".
"Otro sector vulnerable y al mismo tiempo simpático porque lo han retratado permanentemente es el atorrante, el ciruja, el vagabundo: un anarquista, el tipo que no tiene ley, no tiene familia, hace la suya y que les resulta atractivo ideológicamente".
 "Este sector -se entusiasma el curador- está acompañado de un texto de Roberto Arlt titulado justamente 'Los atorrantes de Facio Hebequer', que es nada menos que una aguafuerte porteña del escritor -no tan conocida porque nunca se publicó en las antologías- inspirada en este artista, a quien conoció". 
Los artistas del pueblo también hicieron mucha gráfica, donde volcaron sus ideales de revolución social, de militancia política y de rebelión puesta al servicio de publicaciones de izquierda y populares, así como en revistas y libros. 
Una vitrina de objetos permite apreciar "Tu historia compañero", un cuadernillo ilustrado que Facio Hebequer vendía a 30 centavos, la tapa que hizo para "Contra" dirigida por Raúl González Tuñón, o el "Martín Fierro" que ilustró por Bellocq.
Es la primera vez que se realiza una retrospectiva tan grande de estos artistas "parte fuerte de la historia del arte argentino", en este caso integrada por obra proveniente de Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Quinquela Martín y varias colecciones privadas, entre ellas, la de Albino Fernández y la de Ariel Vigo, hijo de Abraham. 
Habrá dos encuentros con el curador en abril (el jueves 17 a las 18 y el viernes 25 a las 20) en el marco de la muestra que se podrá visitar hasta el 31 de mayo de lunes a sábados de 12 a 20 en el espacio de arte de Fundación Osde, Suipacha 658, primer piso, con entrada libre y gratuita. (Télam).

Por Sara Barderas , desde Madrid


A punto de cumplirse 200 años del inicio de la Guerra de la Independencia española, el Museo del Prado muestra uno de sus proyectos más relevantes de las últimas décadas: "Goya en tiempos de guerra", la exposición internacional más importante sobre el artista aragonés (1746-1828), testigo directo de aquel conflicto bélico, organizada por la pinacoteca desde que en 1996 conmemoró el 250 aniversario de su nacimiento.





La principal atracción de la muestra, que los reyes Juan Carlos y Sofía inaugurarán el próximo lunes y que se podrá visitar desde el martes 15 de abril hasta el 13 de julio, son sin duda los dos grandes lienzos del 2 y el 3 de mayo de 1808 en Madrid: "La lucha contra los mamelucos" y "Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío" (1814), que acaban de ser restaurados y limpiados. Les han retirado los barnices amarillentos y, protagonistas ahora de una sala de luz tenue, se aprecian tal y como el artista de Fuendetodos los concibió para que se vieran, con los colores calientes originales y con lo terrible y lo trágico que encierran. Pero aunque éstas dos se encuentran sin duda entre las obras más destacas y apreciadas del pintor, "Goya en tiempos de guerra" es más que los grandes lienzos dedicados al levantamiento del pueblo de Madrid contra el invasor francés y la dura represión del día después.
Y es que, se compone de casi 200 obras (90 pinturas, además de dibujos, aguafuertes y litografías) que abarcan el arco temporal que va de 1795 a 1819.
Más de 65 pertenecen a otras instituciones como el MOMA de Nueva York y la National Gallery de Londres, y a colecciones privadas.
Algunas no se habían visto jamás en España. Es "el diario artístico de Goya en el cambio de siglo en uno de los periodos más turbulentos de la historia de España", explicó hoy en su presentación el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza.
"No es un diario de guerra, y menos de un pintor patriótico", advirtió, ya que se centra en el pintor, en su evolución personal y artística, y no en la Guerra de la Independencia, aunque los años de la contienda constituyen el núcleo central. "Comienza cuando Goya ha salido nuevamente a la vida; sordo, convaleciente y débil, hace lo que haría cualquier ser humano: renacer, dejar a un lado la superficialidad y dedicarse a la libertad, al amor, a la vida", explicó una emocionada Manuela Mena, comisaria de la exposición. Descubre "a ese Goya nuevo, renacido" en 1793 de una grave enfermedad que casi lo lleva a la muerte.




La exposición trata de entender las circunstancias particulares del artista en un periodo histórico que supone para él la caída de la cultura e ideales en los que se había formado y que le lleva al desánimo.
Es el tiempo de la Revolución Francesa en el plano internacional y de grandes cambios políticos en España, escenario de tránsito del Antiguo Régimen al nuevo régimen liberal. Supone una amplia y profunda reflexión sobre más de dos décadas del pintor, testigo de acontecimientos fundamentales para la historia de su país.
"Goya es objetivo, es neutral, presenta la realidad, no critica, es un espejo", explica Mena.
La muestra se articula en cuatro secciones que reflejan una evolución del optimismo inicial y las ganas de independencia frente al poder a la aspereza y a un mundo cada vez más oscuro: Goya. Primer pintor de cámara (1795-1800), Goya ante el nuevo siglo (1800-1808), Goya en los años de la Guerra de la Independencia (1808-1814) y Fatales consecuencias de la sangrienta guerra de España (1814-1819).





Incluye obras conocidas por todos, como "La maja desnuda" (1795- 1800), las estampas de la colección los "Caprichos" (1799) o el enorme lienzo restaurado de "La familia de Carlos IV", y también otras nunca antes expuestas en España como el bello cuadro de "La marquesa de Montehermoso" (1810), que se erige con toda la luminosidad del vestido blanco y vaporoso de su joven protagonista en la pared central de una de las salas. Muestra también retratos, autorretratos, naturalezas muertas...
Y permite apreciar el interés que sintió Goya por las mujeres en lienzos como "Majas al balcón" (1810-1812) -tampoco visto antes en España- junto a su pareja "Maja y celestina al balcón" (1810-1812), entre tantos otros en los que el artista refleja a la mujer en múltiples facetas. "Es un artista al que le interesó todo del ser humano", sintetiza Mena, resumiendo la esencia de esta exposición que constituye uno de los actos más importantes enmarcados en las celebraciones del triple bicentenario de la Guerra de la Independencia, la independencia de los territorios americanos y la Constitución de Cádiz de 1812. (DPA)