La artista Diana Chorne exhibirá su producción realizada en 2007, que incluye más de 40 obras, en una nueva versión de la muestra "Artes del Juego", que será inaugurada el próximo 1 de noviembre a las 19 en el Espacio de Arte de la AMIA, en Capital Federal. Con sustento en elementos autobiográficos, históricos y familiares y con temas recurrentes como los rituales cotidianos, los barcos, el exilio, la memoria o la ciudad, Chorne deja una vez más en evidencia la elección de lo lúdico como parte esencial de su creación, en la muestra curada por Elio Kapsuk.  A través de pinturas, collages y assemblages, las piezas de la artista -perturbadoras, irónicas y enigmáticas- pueden ser vistas como reservorios de memoria, personal y social, no sólo de lo propio, sino también de las experiencias colectivas.  Esta muestra forma parte de una serie mayor, "Artes del Juego", que se viene presentando desde el año 2003 en diferentes muestras individuales y colectivas en el país y el exterior.  La artista, que fue alumna de Demetrio Urruchúa y Juan Battlle Planas, exhibirá su exposición hasta el 30 de noviembre, de lunes a jueves de 10 a 19 y los viernes de 10 a 16, en el Espacio Arte de la AMIA ubicado en Pasteur 633.

Por Elba Pérez

El Museo Fernández Blanco exhibe los últimos días de una muestra imperdible del suizo Robert Frank, quien reveló el lado oscuro del sueño americano, se inició como fotógrafo del glamour en revistas como Vogue y encontró su derrotero personal en la frustración desolada o iracunda de la sociedad norteamericana de posguerra.
Setenta fotografías seleccionadas por Leila Makarius y Jorge Cometti (curadora y director del museo, respectivamente) sintetizan los hitos de la prolongada labor de Frank (1924) quien, a los 82 años, se mantiene activo y continúa enfocando su cámara y filmando, su otra y paralela pasión.
En los dos lenguajes Frank imprime la visión del humanista que, desde la imagen, da voz a las multitudes anónimas, a ese ejército de sombras sólo registrados por las estadísticas, como en su famoso reportaje gráfico "The Americans", producido en la posguerra.
A la retórica publicitaria edulcorada del "home, sweet home", poblada de electrodomésticos y amas de casa impecables, Frank contrastó la realidad de las mujeres de "White Tower", un friso desolado cuyo fondo informa de las magras pitanzas y los precios de la comida chatarra ajenas al pavo del Día de Acción de Gracia entronizados por la pantalla.  Mientras, su experiencia de viajero dio perspectiva a su conciencia y se trasladó a Perú (1948), Francia (1949) e Inglaterra (1951 y 1952), con una cámara Leica y un lente de gran angular, recursos a los que sumó la Polaroid.  Frank no es un artista a la búsqueda de miserias o denuncias: la elección de sus tomas fotográficas tienen un origen empático pero no cómplice, a la vez que desecha cánones preciosistas.  "Si uno vive aquí debe aceptar ese hecho, no hay otra opción", define el fotógrafo sobre su larga permanencia en Nueva York (donde se estableció en 1947), que alterna con residencias en Canadá.
Frank fue compañero de ruta de la generación Beat, junto a Jack Kerouak y Allen Guinsberg, con quien documentó el descenso a los infiernos de la droga, la promiscuidad y todo desarreglo operado durante la gira de los Rolling Stones en 1972, de lo que quedó la película "Pull Myd Daisy" (1959).  Mick Jagger querelló ante la justicia a Robert Frank y ganó la batalla legal, en mala hora ya que el fotógrafo estaba jaqueado por la disolución de su matrimonio, la muerte de su hija y la esquizofrenia de Paul, su hijo menor.  La muestra de fotografías de Robert Frank se podrá visitar hasta el 21 de octubre, de martes a domingos de 14 a 19 en el palacio Noel ubicado en Suipacha 1422, con un bono contribución voluntaria de un peso.

Por Mercedes Ezquiaga

NUEVA YORK.- La joven galería de arte Appetite, considerada como una de las más interesantes del momento y elogiada por el prestigioso diario New York Times, abrirá nuevo espacio en "la gran manzana" el mes próximo, en medio del creciente interés que despierta el arte argentino en el mundo.
Desde su apertura hace dos años y medio, esta galería enclavada en San Telmo vivió un meteórico crecimiento, desde las primeras invitaciones a ArteBa y Expotrastiendas en 2006, hasta concretar la apertura de otros dos locales en Buenos Aires, la visita a su trastienda de figuras como Francis Ford Coppola y la futura apertura ya mencionada en Nueva York.  La imparable Daniela Luna, la joven mentora del exitoso proyecto, abrirá la flamante galería en Brooklyn, sobre Johnson Avenue, muy cerca del barrio de Williamsburg, donde viven muchos artistas y se instalan muchos talleres, sitio que además planea utilizar como lugar de residencia de artistas, según contó en una entrevista con Télam.
"En la primera etapa vamos a llevar mucha obra de los artistas de la galería, pero lo que me interesa sobre todo es que vayan los mismos artistas para poder producir allá y hacer obras específicas para el espacio, además de relacionarse con el ambiente de Nueva York", contó la galerista.
"Además, me interesa hacer proyectos integrales, que se mezclen con otras disciplinas, como la primera instalación, que será en enero, en la que se presentará la New York Symphony, con una base de djs, y con la intervención de las artistas Juliana Iriart y Karin Idelson, quienes harán una instalación multimedia que servirá como ambientación del concierto", detalló.
En el nuevo espacio neoyorquino se exhibirán trabajos de todos los artistas de la galería, entre los que también se cuentan Nicanor Aráoz, Ariel Cusnir, Martín Legón, Fabio Risso, Victoria Musotto, Yamandú Rodríguez y Mercedes Cosci.
Se trata de artistas que "trabajan con total libertad" y en cuyas coloridas obras se puede llegar a encontrar pinturas, fotografías, collages, objetos o instalaciones hechas con telas, lentejuelas, calcomanías, brillantina, plástico, lana y hasta galletitas o animales disecados.
"Me interesa llevar obra que identifique mucho con la estética de la galería y con las necesidades y discursos relacionados con la Argentina y con lo que significa trabajar acá, donde quizás hay una necesidad más urgente de los artistas y una búsqueda muy visceral", señaló Luna, quien recibió en su galería a figuras como Francis Ford Coppola o los integrantes de la banda Placebo.
"Hay algo muy propio, muy honesto y muy salvaje en la obra de los artistas argentinos que no se ve tanto en Europa o Estados Unidos, que es una de las cosas que hace que la gente que viene de afuera se quede tan impresionada. Y no necesariamente tiene que ver con arte político, sino con el lugar por donde pasa la expresividad en Argentina", aclaró.  Una de las principales apuestas de la galerista es crear un programa de residencias para que viajen los artistas argentinos a Nueva York, y que convivan un determinado tiempo con artistas de Estados Unidos, Europa, Africa o Latinoamérica para "fomentar la mezcla y la discusión".
"Nueva York es un punto estratégico -explicó Luna-: hay un poco de todo, mucha diversidad, y me parece interesante que la gente de acá pueda ir a relacionarse, a trabajar y a conocer un poco lo que está pasando allá"  "Entiendo que hay necesidades muy diferentes entre Argentina y Estados Unidos. Allá no existe la necesidad de una galería como Appetite, por eso me interesa transformarla en un lugar de residencias, para favorecer el intercambio con gente de Argentina y de otros lugares, y promover proyectos más integrales, que se nutran de otras disciplinas", concluyó.

Todo el mundo, en Londres, habla de la artista colombiana Doris Salcedo, quien fue elegida para realizar una instalación especial en el Turbine Hall de la Tate Modern, el museo de arte contemporáneo más grande y visitado del mundo.
Esta sala central, dedicada cada temporada a un artista de importancia mundial, incluyó exposiciones de creadores como Carsten Höllers, Louise Bourgeois, Olafur Eliasson o Rachel Whiteread.
Salcedo, de 49 años, y conocida por sus esculturas de muebles sutilmente pintados o adosados cuidadosamente en partes, además de emplear elementos como pelo humano o cemento, suele trabajar sobre la temática de la violencia en su Colombia natal.
En este sentido, en una entrevista dada al Financial Times la semana pasada, Salcedo sostuvo que le gusta trabajar y vivir en Bogotá, "donde nadie la visita".
Su obra, por el contrario, que sí ya es visitada por miles de personas en Londres, en la Tate Modern. Allí su obra fue especialmente comisionada para el Turbina Hall, un cavernoso espacio de 155 metros por 35, con una altura suficiente para albergar las turbinas que una vez funcionaron allí. La obra que le han comisionado es la octava de una serie auspiciada por Unilever, que inició la Tate con la escultora francesa Louise Bourgeois y que ha invitado a artistas como Juan Muñoz, Amish Kapoor, Carston Hoeller y otros tres igualmente reconocidos. La Serie Unilever ha dado lugar a "algunas de las esculturas más innovadoras y significativas de años recientes", dice la presentación de la galería. Esta invitación es una distinción muy importante y un reconocimiento a la obra y el talento de Doris Salcedo, reconocen los popes de las artes plásticas en Europa, destilando cierta admiración y envidia, al mismo tiempo.



Estuvo a punto de no aceptarla. Cuando le ofrecieron la posibilidad, le cuenta a Richard Cork para el artículo que apareció en el FT, "pensó que no quería hacerlo porque no le gustaba el espacio". "Porque tenía mucha carga y demasiadas historias: planta generadora de electricidad, edifico modernista, sitio capitalista. Y fue construido en 1947 en una época de doloroso cambio en la Gran Bretaña, cuando muchísimos trabajadores inmigrantes fueron traídos y se continuó de esa forma con las relaciones coloniales de amo/sirviente". Pero fue a conocer el sitio y le impresionó cómo el espacio abrumaba a la gente, de la misma manera que lo hacen las Pirámides o Hagia Sofía en Istanbul. Esto la motivó a pensar en una instalación que "negara completamente la altura del Turbine Hall". Ella desea añadir otra perspectiva, "la opuesta a elevación", y "establecer una relación entre Londres y el Tercer Mundo". "En Europa tienen todas estas columnas y arcos que conmemoran triunfos -le dice a Cork-, pero a mí me interesan más -¿cómo decirlo?- los derrotados. En el país de donde yo vengo tenemos ruinas, no solamente de edificios, sino vidas que han sido arruinadas. Odio la alta cultura de Europa, que se utiliza como una forma de racismo. Esta alta cultura está supuestamente amenazada ahora por burdos inmigrantes, pero se construyó con el trabajo de ¿dónde?" (¿de quiénes?).
En Turbine Hall, Salcedo está empeñada en "desbaratar" para que los espectadores puedan recuperar algo de esas vidas perdidas.
Su obra se propone "hacer regresar vidas humanas que fueron excluidas". Pero ella no se hace grandes ilusiones: "Por un lado, soy absurdamente ambiciosa; por el otro, me doy cuenta de que es en vano. La redención a través del arte no existe; es absurdo".
"Es una idea pretensiosa pensar que uno puede entender el mundo", agrega.
De esta obra que presenta ahora, en el Tate, concluye Salcedo y que eH! muestra a través de las fotos de la agencia AP, "espero que transmita toda la rabia que tengo en este momento por las injusticias que se viven en el mundo".

“Aquí, en Jujuy, las casas siempre han sido muy simples desde los tiempos coloniales: desde las viviendas de los conquistadores ricos hasta las de las familias pobres. No eran ostentosas, eran simples, con el foco puesto en su interior, lo importante no era alardear con una fachada espectacular, sino más bien tener una buena vida adentro de ella,” explica Carlos Gronda y Arturos de Tezanos Pintos, dos arquitectos y diseñadores nacidos y criados en Jujuy, que comprendían la mentalidad y el carácter de la zona a la hora de realizar esta casa que mostramos en este último número de eH!. Son fotos que complementan la edición central para conocer más detalles de esta obra fascinante. Es que nuestros lectores siempre se quedan con ganas de más.

Estilismo Mariana Rapoport
Fotos Daniela Mac Adden/surpressagencia