El artista italiano Michelangelo Pistoletto protagoniza su performance "Twentytwo less two".




Por Britta Schmeis desde Venecia

El director de la Bienal, Daniel Birnbaum, ya había anunciado que con su lema "Fare Mondi" (Crear mundos) quería mostrar en la 53 edición que el arte tiene en cada país una importancia y una función distintas. La Bienal quiere dejar de ser una muestra de naciones que presentan a sus mejores artistas, y por eso la exposición, que abre sus puertas al público el domingo (hasta el 22 de noviembre) es todo menos un cuadro unitario.


La escultura norteamericana Bruce Nauman frente a una de sus obras, "Fifteen pairs of hands".


Junto a exhibiciones clásicas de uno o varios artistas como en los pabellones belga, español, israelí o surcoreano en los Giardini, los jardines de la Bienal, algunos países han entendido sus pabellones realmente como espacios de arte unitarios que incluyen al visitante. Un ejemplo de ello es "The Collectors", el aporte de los países escandinavos y Dinamarca, organizado por el dúo de curadores Elmgreen & Dragset.
Frente al pabellón danés, que parece un bungalow de los años 70 con enormes ventanas, hay un cartel de "Se vende". Dentro se ve una casa de estilo moderno que ha sido abandonada. Los muebles del living están cubiertos con sábanas blancas, la enorme mesa está puesta aún para una comida y junto a la puerta batiente espera una empleada doméstica (dorada) vestida de negro y con delantal y cofia blancas.
El vecino Pabellón Nórdico (Suecia, Finlandia y Noruega) es aún más moderno y vivo: sobre el escritorio hay un cigarrillo aplastado, en la cocina queda una cafetera usada y en los muebles haraganean jóvenes que tipean mensajes en sus celulares o toman sorbos de sus bebidas -todos ex amantes del dueño de casa, que flota muerto en la pisicina frente al pabellón-. Se trata de una obra colectiva de varios artistas en la que el visitante tiene un papel central, pues va recorriendo y experimentando las estancias.



Una instalación del artista israelí Shlomo, frente a la isla San Giorgio.


El canadiense Mark Lewis presentó su filme "Cold Morning".



El pabellón alemán en cambio está ocupado por el artista británico Liam Gillick, que muestra una sencilla cocina de pino inacabada. Allí un gato disecado juguetea con una sustancia extraña que surge de un armario.
Gillick se inspiró en el edificio de 100 años reformado por los nazis en los años 30 y confrontó una arquitectura autoritaria con una democrática, según explicó el curador Nicolaus Schafhausen. Otros países apuestan por lo seguro: El pabellón británico muestra una película -eso sí, nueva- con Steve McQueen, titulada "Giardini", mientras que Estados Unidos trae al consagrado Bruce Nauman, entre otros con sus típicas cabezas y frases de neón. Israel homenajea a su vez al artista Raffi Lavie, muerto en 2007, exhibiendo en los dos pisos del pabellón sus coloridos cuadros influenciados por Paul Klee, Jean Dubuffet y Robert Rauschenberg.
El antiguo Pabellón Italia sigue convertido, como en los últimos años, en el "Palazzo delle Esposizioni" con espacio para numerosos artistas. Según el deseo de Birnbaum, permanecerá abierto con exposiciones todo el tiempo.



Desde Brasil llegó a Venecia Delson Uchoa.


Una de las obras del pabellón chileno.


Por toda Venecia hay además repartidas numerosas exhibiciones a menudo muy originales pero difíciles de encontrar. Ucrania por ejemplo se presenta en un hermoso 'palazzo' del Canal Grande con la muestra "Steppes of Dreamers" (Pasos de los sueños), curada por el campeón de boxeo Vladimir Klitshko.
La muestra se reparte por todo el palacio y hace intervenir a los sentidos con niebla, sonidos envolventes, juegos de luz y una patinadora real que recorre los salones.
La obra fue creada por el ucraniano Illya Chichkan y el japonés Mihara Yasuhiro.
El objetivo de Ucrania es que "la gente diga que ésta fue 'a smart show', una muestra inteligente", afirma Peter Doroshenko, del PinchukArtCentre, que forma parte de la organización. Un deseo que muchos de los visitantes de la Bienal comparten.
MAS INFO, EN www.labiennale.org



De Chile, otra obra.



Un trabajo del artista israelí Raffi Lavie.

Fotos: agencia AP

Por ULA ILNYTZKY desde NUEVA YORK


Para Frank Lloyd Wright, el lento ascenso de la rampa en espiral en el Museo Solomon R. Guggenheim permitía que los cuadros fuesen exhibidos como si estuviesen en el caballete del artista.
Cuando el museo fue inaugurado hace 50 años, el diseño innovador encarnó la personalidad central del arquitecto, de que forma y función son inseparables.
Esa filosofía fue expresada en proyectos grandes y pequeños, pero quizás nunca mejor realizada que en este controversial, ahora reverenciado, diseño para un museo de arte en Manhattan.
Ahora, el propio museo rinde homenaje al arquitecto visionario del siglo XX con una exposición especial titulada "Frank Lloyd Wright: From Within Outward'' (Desde adentro hacia afuera). Co-curada con la Fundación Frank Lloyd Wright en Scottsdale, Arizona, la muestra celebra la prolífica producción de Wright de proyectos, tanto residenciales como públicos, concluidos y nunca ejecutados.
El museo fue "definitivamente uno de sus mejores ejemplos de 'romper las convenciones''', con las rampas interiores articulándose con la forma cilíndrica del exterior, dijo David van der Leer, curador asistente de arquitectura y diseño del museo.
"Cambia la forma en que uno piensa sobre arte y exhibe arte''. Fue además muy controversial cuando estaba siendo construido, "porque todo el mundo estaba acostumbrado al espacio clásico de cuatro paredes'', dijo Margo Stipe, curadora y a cargo de registros de colecciones en los Archivos de la Fundación Frank Lloyd Wright. Stipe comparó el diseño a una caracola marina, en la que ``la espiral continua es una sola pieza''.
"Usted puede mirar en muchas direcciones diferentes. Puede interactuar tanto con la obra de arte que tiene enfrente como con toda la gente. Es un lugar de reunión social'', dijo Stipe.


La estructura de mampostería -considerada el diseño más importante de la última parte de la carrera de Wright- es el mayor objeto de la nueva muestra.
El grueso de la exposición está siendo presentado a lo largo de las rampas, en lugar de las galerías adyacentes, dando al visitante una imagen espectacular desde la rotonda hasta el tragaluz en forma de cúpula.
La exposición comienza con su casa y estudio de 1889 en Oak Park, Illinois, continúa rampa arriba con diseños para Bagdad que nunca fueron construidos y termina con el Guggenheim.
La muestra tiene 64 proyectos y 201 dibujos originales de Wright. Animaciones digitales y narraciones orales ofrecen una perspectiva breve de los principios de arquitectura orgánica de Wright y su continua relevancia en el diseño contemporáneo.
Modelos tridimensionales a escala exploran los espacios funcionales de muchos proyectos en relación con sus exteriores. Incluyen la Casa Herbert Jacobs de 1937 en Madison, Wisconsin; el Templo Unitario en Oak Park, Illinois, construido en 1909, que fue declarado monumento nacional en 1971, un modelo de su esquema de 1957 para Bagdad que incluía una casa de ópera, una universidad, jardines botánicos y un museo y que nunca fue ejecutado debido a la situación política en la capital iraquí.
En las torres anexas del museo, dos estudios exploran la conexión entre las comisiones privadas y públicas de Wright. La exposición fue inaugurada pocos años después de una renovación del Guggenheim, que incluyó reparar grietas en la fachada, mejorar el sistema de aire acondicionado, añadir material aislante y aplicarle tratamiento a las estructuras de acero.
La construcción del museo demoró 16 años, mayormente a causa de cambios en el diseño. Abrió al público seis meses después de la muerte de Wright. Muchos críticos llamaron al edificio en tono de sorna "magdalena'' y ``lavadora'', dice van der Leer. Sin embargo, luego de la inauguración el 21 de octubre de 1959, "la gente entraba al lugar y se daba cuenta de que los apodos que le dieron no eran relevantes en lo absoluto'', dijo.
"Una vez que uno está dentro se da cuenta de que está en un espacio maravilloso''.
Si Wright no hubiese tomado esos riesgos, dice Stipe, ``la arquitectura no estaría donde está hoy''. Wright falleció el 9 de abril de 1959, a los 91 años, tras completar más de 1.100 diseños, incluyendo textiles y ventanales.
Casi 500 de sus edificios fueron construidos y menos de 400 sobreviven. La exposición se extiende del 15 de mayo al 23 de agosto y viajará posteriormente al Guggenheim de Bilbao.

Más info en
www.guggenheim.org

Por Juan Castro Olivera

Desde Miami.


El barrio Art Deco de Miami Beach, la más grande concentración de ese estilo arquitectónico en el mundo, estaba invadido por el crímen y amenazado por planes de demolición cuando 30 años atrás salió de la ruina, declarado sitio histórico por el gobierno estadounidense. Activistas liderados por la diseñadora Bárbara Baer Capitman (Chicago, 1921-1990) lograron en mayo de 1979 que las construcciones fueran protegidas y declaradas de interés federal, un hito histórico que hizo renacer a Miami Beach y que la ciudad celebra este mes.
Cientos de hoteles, casas y edificios de apartamentos construidos entre principios de 1930 y mediados de 1940 constituyen una colección única en el mundo.
Se trata de un conjunto de más de 700 edificaciones de estilo art deco al que la fama de South Beach quedaría desde entonces asociada.
"¿Como sería South Beach hoy, 30 años más tarde, si todos estos edificios hubieran sido demolidos?", se preguntó Barry Chase, presidente de la Liga de Preservación de Diseño de Miami (MDPL, en inglés).
"La protección del distrito Art Deco llevó a que South Beach se convirtiera en una meca para el turismo, el arte, la moda, la vida nocturna y la cultura", subrayó.



El distrito Art Deco se construyó como una muestra de la pujanza de Miami para hacer frente a los años posteriores a la 'Gran Depresión' en el país.
A tono con ese momento económico, el diseño arquitectónico tuvo una línea más simple y menos angulosa y decorativa que el art deco clásico que surgió en Francia a mediados de los años 20.
El barrio conocido inicialmente como "Old Miami Beach" estaba en plena decadencia y se hacía temible en las noches porque en muchos de sus viejos edificios se encondían los peores pandilleros de la ciudad. Pocos imaginaban que su renacimiento tendría un impacto tan decisivo en el futuro de Miami Beach.
"Todos los elementos que llevaron a la historia de éxito de South Beach tienen que ver con esa preservación", consideró Marie Hernández, directiva de la MDPL. Entre las primeras celebridades que llegaron atraídas por las raras formas que simulaban proas de barcos o enormes máquinas industriales estuvo el artista Andy Warhol, que en marzo de 1981 viajó desde Nueva York para estudiar cada detalle del distrito Art Deco de Miami.



Los viejos y abandonados edificios llamaron la atención de todo el mundo y se convirtieron poco a poco en propiedades de enorme valor. Modelos, artistas, fotógrafos y directores de cine se mudaron a la zona.
Se inició la tendencia de hoteles "boutique" y bares y cafés inundaron la avenida Collins y la remozada Ocean Drive, frente a la playa.
Convertido en un museo arquitectónico al aire libre, el barrio le dio su propio estilo a South Beach y lo convirtió en un símbolo mundial estadounidense, reflejado en películas que se ambientaron en sus calles y en millones de turistas atraídos por las antiguas fachadas y las luces de neón.
La serie "Miami Vice" con el popularísimo Sonny Crocket (Don Johnson) en los años 1980, más la predilección que mostraban por el lugar estrellas como Madonna y una larguísima lista de celebridades hispanas dieron más fuerza al atractivo.
"El distrito Art Deco es el corazón y el alma de South Beach", afirma la alcaldesa de Miami Beach, la cubano-estadounidense Matty Herrera Bower, que al igual que otros residentes hoy no puede creer que hace tres décadas manifestaciones callejeras pedían con pancartas la demolición de las "horribles" construcciones para levantar modernos rascacielos frente al mar.

Agencia AFP

La diseñadora gráfica allense María Silvetti anduvo recorriendo Cerro Alegre, en Valparaíso, detectando la movida de los nuevos diseñadores chilenos que por allí rondan y hacen vanguardia en todos los sentidos creativos.

En una de esas recorridas descubrió La Consentida, cuya dueña y diseñadora escribe para el suple eh! que sale este domingo 31 de mayo de 2009, que acompaña la edición central de "Río Negro".


María, que también registra fotos, manda algunas de sus instantáneas para esperar la nota central de su descubrimiento.


CONTACTO:

www.mariasilvetti.cl  

maria.silvetti@gmail.com


Alma mater de La Consentida







Más info,
este domingo en el suple eh! número 285

Más modelos de la temporada otoño-invierno 2009 de Mariela Arocena, publicada en el suple eH! del domingo pasado.













La marca neuquina se comercializa en Oxo: Buenos Aires 209, Neuquén
También se puede contactar a la diseñadora en mariearocena@hotmail.com